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Literatura ENEM 2018

O Exame Nacional do Ensino Médio (ENEM) é uma prova que exige preparação e estudos, pois abrange todos os assuntos discutidos ao longo dos três anos de ensino médio.
Um bom resultado na prova de linguagens e literatura do ENEM é fundamental para quem pretende uma vaga na área de ciências humanas.

Ao contrário do que acontece nos vestibulares, o ENEM não divulga uma lista de livros e exige a leitura de obras específicas, porém, algumas questões sempre abordam os clássicos da literatura, principalmente da literatura brasileira. Para conseguir responder as questões, o participante precisa interpretar os trechos disponibilizados.

Pensando nisso, preparamos uma lista com alguns dos principais clássicos da literatura.  As edições da Ateliê Editorial possuem notas e comentários que ajudam na interpretação e entendimento do enredo.

Lista de livros do ENEM 2018

Iracema, de José de Alencar

Iracema, de José de AlencarEsta obra, tida como uma das mais belas da literatura brasileira, conta a história de amor entre uma índia tabajara e um guerreiro português. O enredo é uma alegoria da colonização do país, e a protagonista simboliza a união entre o homem e a natureza. Embora seja escrito em prosa, o romance revela a enorme identidade de José de Alencar com a poesia romântica. O estudo introdutório de Paulo Franchetti, professor titular da Unicamp, aborda a gênese do texto alencariano e sua recepção crítica.

Apresentação: Paulo Franchetti (Unicamp)
Notas: Leila Guenther
Ilustrações: Mônica Leite
De R$ 30,50 por R$ 21,35

 

Dom Casmurro, de Machado de Assis

Dom Casmurro, de Machado de Assis Ciúme, incertezas, ironias. No relato que o narrador-protagonista Bentinho faz da própria vida, o que o leitor encontra é um discurso ambíguo, a partir do qual nada pode concluir. A verdade estável que o personagem busca sobre seu grande amor, a falecida Capitu, jamais é alcançada. Esse traço narrativo é a marca registrada de Dom Casmurro, um dos romances brasileiros mais traduzidos para outros idiomas.

Apresentação: Paulo Franchetti
Notas e Comentários: Leila Guenther
Ilustrações: Hélio Cabral
De R$ 32,00 por R$ 22,00

 

 

Sertões, Os – Campanha de Canudos, de Euclides da Cunha

Sertões, Os – Campanha de Canudos, de Euclides da Cunha

Esta 5a. edição comentada de Os Sertões foi revista e ampliada e, até hoje, é a mais completa do clássico de Euclides da Cunha. Além do texto rigorosamente restaurado conforme as fontes mais autorizadas, possui cerca de três mil notas, auxiliando o esclarecimento do difícil vocabulário euclidiano. Originalmente publicada em 2001, é a primeira edição com minucioso e inédito índice onomástico de lugares e pessoas; acurada cronologia da vida e obra do autor; vinte e quatro páginas de iconografia, com informações desconhecidas sobre o assunto; e prefácio elucidativo do organizador, Prof. Leopoldo Bernucci, que aborda o problema das diferentes linguagens de Os Sertões e de suas qualidades artísticas.

Edição, Prefácio, Cronologia, Notas e Índices: Leopoldo Bernucci
Iconografia: Leopoldo Bernucci
Coedição: SESI-SP editora
De R$120,00 Por R$90,00

 

O Cortiço, de Aluísio Azevedo

O Cortiço, de Aluísio Azevedo

Se O Cortiço é dos romances mais contundentes da literatura brasileira, este volume possui atributos que o convertem na melhor edição do clássico de Aluísio Azevedo. Além de texto estabelecido conforme a última edição em vida do autor, contém iconografia histórica e notas de rodapé por Leila Guenther. O ensaio de apresentação foi escrito por Paulo Franchetti, que, revisando noções consagradas, oferece argumentos para uma nova leitura do romance.

Prefácio: Paulo Franchetti
Notas: Leila Guenther
Ilustrações: Carlos Clémen
De R$33,50 Por R$23,45

 

Memórias Póstumas de Brás Cubas, de Machado de Assis

Memórias Póstumas de Brás Cubas, de Machado de Assis

Após a morte, Brás Cubas decide contar a estória de seus amores e sua classe. Apesar desse mote fantasioso, o primeiro grande livro de Machado de Assis é um retrato realista do Segundo Reinado brasileiro. De maneira crítica e bem-humorada, o defunto conversa com o leitor para narrar casos de adultério e tramas políticas da elite do período. Além de um ensaio estimulante sobre o texto machadiano, o professor Antônio Medina Rodrigues preparou mais de 500 notas que explicam a obra e seu contexto.

Prefácio e Notas: Antônio Medina Rodrigues (USP)
Ilustrações: Dirceu Marins
De R$30,00 por: R$21,00

 

 

Memórias de um Sargento de Milícias, de Manuel Antônio de Almeida

Memórias de um Sargento de Milícias, de Manuel Antônio de Almeida

Neste dinâmico romance de costumes, Manuel Antônio de Almeida registra com humor as atitudes e tradições da sociedade carioca em meados do século XIX. O atrapalhado protagonista Leonardinho figura, ao lado de Macunaíma, na galeria dos mais representativos anti-heróis de nossa literatura. O professor Mamede Jarouche, da Universidade de São Paulo, assina as notas explicativas e oferece um estudo polêmico, com documentação inédita sobre o autor e a obra. As ilustrações são de Marcelo Cipis.

Prefácio e Notas: Mamede M. Jarouche (USP)
Ilustrações: Marcelo Cipis
R$34,40 R$24,08

 

 

DATAS DO ENEM 2018

21 de Março – Publicação do Edital;
7 a 18 de Maio – Inscrições do Enem 2018;
4 e 11 de Novembro – Aplicação da provas.
Veja o Cronograma Completo no site oficial do Enem 2018.

O que é importante saber sobre Literatura

Além da leitura dos clássicos da literatura brasileira é importante estudar o seguinte:

    • Movimentos literários — barroco, quinhentismo, modernismo, naturalismo/ realismo;
    • Figuras de linguagem;
    • Poesias concretas;
    • Literatura contemporânea.

 

Clássicos não saem de moda

Por Renata de Albuquerque*

O que é um livro clássico? Aquele que você foi obrigado a ler na escola, porque ia cair no vestibular, quando ainda não tinha maturidade nem experiência de leitura suficientes para entender a razão da importância daquela obra?

Clássicos são muito mais do que a obrigação de leitura escolar. São livros que conseguem, pela genialidade do autor, ressignificarem-se ao longo do tempo, falando ao leitor de cada época de maneira diferente – mas não menos impactante. É como se ele não se esgotasse jamais, como se mostrasse faces diferentes a cada leitura, como se permitisse ser redescoberto pelo mesmo leitor inúmeras vezes.

“Toda releitura de um clássico é uma leitura de descoberta como a primeira”, afirma Ítalo Calvino, em seu Por que ler os clássicos?.

Por isso, clássicos não são um assunto apenas de quem vai prestar vestibular. Os amantes da literatura voltam a eles de tempos em tempos, para beber de sua fonte inesgotável.

Um exemplo interessante é a interpretação de Dom Casmurro. Até 1960, quando Helen Caldwell lançou O Otelo Brasileiro de Machado de Assis, ninguém colocava em dúvida a traição de Capitu. Depois do lançamento do livro – uma leitura feminista feita sobre bases teóricas então muito recentes – ninguém mais consegue ler o livro sem duvidar dessa traição. E é por isso que se diz que a discussão “traiu ou não traiu” é secundária. O primordial é a genialidade de Machado de Assis ao escrever essa obra prima, que é capaz de tomar outros rumos, ganhar novos significados, tornar-se diferentes metáforas, a depender do leitor que a relê.

Muitas vezes, a mesma pessoa lê o mesmo livro de formas diferentes. Não somos fixos, nos transformamos diariamente, evoluímos, mudamos nossa maneira de pensar. E, quando isso acontece,  somos capazes de ler de maneira diferente o mesmo livro a cada releitura.

Por isso, a Ateliê está voltando aos Clássicos. A editora criou uma seleção especial de títulos que têm a capacidade de instigar e provocar o leitor para muito além daquilo que se explicita em uma primeira leitura. Veja alguns exemplos:

 

 

 

Um Lance de Dados – Livro inovador que traz na poesia de Stéphane Mallarmé elementos visuais e gráficos até então quase desconhecidos para o público. Foi uma das inspirações da Poesia Concreta no Brasil.

 

Memórias de Um Sargento de Milícias – Outro clássico radicalmente inovador, que motivou Antonio Candido a escrever um ensaio que se tornou um clássico dos estudos literários: “Dialética da Malandragem”

Epigramas – Se hoje em dia o Twitter desafia o internauta a escrever em poucos caracteres, Marco Valério Marcial, ainda na Roma Antiga, já produzia uma poesia curta, objetiva carregada de ironia.

 

 

Electra – Eurípedes escreveu uma peça de teatro clássica que serviu de base para a construção de teorias freudianas que ajudam, até hoje, a entender a psique humana.

 

 

 

Conheça outros títulos (com desconto por tempo limitado)

 

*Jornalista, Mestre em Literatura Brasileira pela FFLCH/USP, autora da Dissertação Senhoras de Si: o Querer e o Poder de Personagens Femininas nos Primeiros Contos de Machado de Assis.

“Realidades e Ficções na Trama Fotográfica”: uma resenha

Por Carina M. F. Pedro*

 

A 5ª edição revista do livro “Realidades e Ficções na Trama Fotográfica” reúne textos adaptados de palestras proferidas nos anos noventa pelo fotógrafo e pesquisador Boris Kossoy. Sua leitura proporciona diversas reflexões sobre a fotografia e sua história, os processos que estão presentes na sua produção, a sua relação com a construção da memória e da imagem do Brasil como nação, assim como a importância de se preservar em acervos as imagens captadas pelos fotógrafos ao longo de décadas, a fim de servirem como fontes de pesquisa sobre uma época.

Na primeira parte do livro, “Construção e Desmontagem do Signo Fotográfico”, Kossoy apresenta os elementos que constituem a imagem fotográfica. Como “índice” a fotografia é uma prova que o objeto/assunto tangível ou intangível existiu de fato. Como “ícone”, por conta dos seus aspectos tecnológicos, o registro fotográfico é a comprovação documental da aparência e da semelhança que o objeto/assunto tem com a imagem. Apesar disso, a fotografia não deixa de ser um produto elaborado por meio de um processo criativo, no caso, do fotógrafo, que tem o seu próprio repertório técnico, estético e cultural.

O autor também retoma os conceitos de primeira e segunda realidades, de realidade interior e exterior. A primeira realidade é a história particular do objeto/assunto independente do registro fotográfico. O momento em que esse registro é feito também possui uma história que não está visível na fotografia, entendida como realidade interior. A segunda realidade é o objeto/assunto contido nos limites bidimensionais da fotografia, em dado espaço e tempo, que não se modificará mais. Temos acesso a essa realidade exterior que por ser fruto do imaginário do fotógrafo não representa necessariamente a verdade histórica, tornando-se um registro passível de muitas interpretações por parte do receptor, que também possui seus próprios filtros culturais, morais, éticos, entre outros.

Imagem de Guilherme Gaensly presente no livro

Na segunda parte do livro, “Decifrando a Realidade Interior das Imagens do Passado”, Kossoy trata do cartão-postal e de suas possibilidades como meio de correspondência e entretenimento muito utilizado na transição do século XIX para o XX. No Brasil, o autor destaca as imagens do fotógrafo Guilherme Gaensly, que registrou a cidade de São Paulo em um período de crescimento acelerado, devido à expansão da economia cafeeira. Tais registros rodaram o mundo através de cartões-postais, apresentando uma parte da cidade que propagandeava o modo de vida burguês das elites paulistas. Nota-se, assim, uma ausência de fotos de bairros operários da época e raros registros do comércio popular, alguns deles feitos pelo italiano Vicenzo Pastore.

Na sequência, são abordados outros exemplos de construção da imagem do país, como os retratos do imperador D. Pedro II e da Imperatriz Tereza Cristina, feitos em cenários no interior do estúdio, onde a colocação de uma vegetação abundante pretendia comunicar a existência de uma “civilização nos trópicos”. Ainda sobre a construção dessa imagem de país civilizado, o autor resgata a história do Álbum de vues do Brésil, editado pelo Barão do Rio Branco, constituído por noventa e quatro imagens, sendo parte delas reproduções de fotografias e outra parte de desenhos litografados a partir de fotografias. Entre as imagens selecionadas para representar o Império do Brasil, nota-se a predileção pelas paisagens urbanas e naturais, com pouca presença humana, tampouco de índios e negros.

A terceira e última parte, que dá nome ao livro, é um alerta para questão da preservação do patrimônio fotográfico, que proporciona descobertas e inibe o esquecimento de períodos importantes da história. Outro ponto relevante diz respeito à própria interpretação desse tipo de documento, que não será neutra, visto que o historiador também possui suas concepções ideológicas, preconceitos e interesses, sendo preciso um esforço intelectual para compreender a realidade própria do objeto/assunto registrado, assim como da realidade que o envolvia no tempo e no espaço. Por fim, o autor compartilha uma constatação inquietante para os pesquisadores, a de uma realidade sintética, gerada por computação gráfica. Uma realidade que pode nunca ter existido, considerando as infindáveis condições de manipulação eletrônica das imagens, as já existentes e as que estão por vir.

*Historiadora, designer de interiores e mestre em História Social pela Faculdade de Filosofia, Letras e Ciências Humanas da Universidade de São Paulo. É autora do livro Casas Importadoras de Santos e seus Agentes, publicado pela Ateliê Editorial, em 2015.

Conheça outras obras de Boris Kossoy

A leitura nas lembranças de infância de Marcel Proust

Maria Schtine Viana*

Sabe-se que a memória, tanto voluntária como involuntária, permeia toda  a criação literária do escritor francês Marcel Proust (1871-1922). Confinado em um quarto, quase sem contato com o mundo exterior, o conjunto de romances que recebeu o título geral  de Em busca do tempo perdido foi escrito a partir de suas recordações, como se a vida só tivesse sido vivida para ser posteriormente escrita.

São também fragmentos da memória de infância que Marcel Proust utiliza para escrever o ensaio Sobre a leitura, em 1906, três anos antes de dar início à realização da grande obra que o imortalizaria como romancista. Pode-se afirmar, então, que nesse ensaio já fica evidente a importância das recordações como base seminal de toda obra literária proustiana, escrita posteriormente.

O texto foi produzido originalmente como prefácio para uma das conferências proferidas pelo ensaísta inglês John Ruskin, em 1864, quando da criação da Biblioteca do Instituto de Rusholme, reunidas em livro intitulado Sésamo e lírios, obra traduzida por Marcel Proust. Isso talvez explique o teor bastante ufanista e didático do texto de Ruskin, que não por acaso usa a expressão “Abre-te Sésamo”, palavras mágicas utilizadas pelas personagens do conto Ali-bá-bá e os quarenta ladrões para abrir a gruta onde se escondiam preciosos tesouros, como uma analogia à importância da leitura na formação de crianças e jovens. A leitura seria, então, uma espécie de “Abre-te Sésamo” por meio do qual abrir-se-ia uma passagem secreta, que daria acesso a tesouros ainda mais valiosos que o ouro e a prata.

O escritor Marcel Proust

Portanto, faz todo sentido que para escrever seu prefácio Marcel Proust busque em suas lembranças de infância como leitor elementos não apenas para apresentar as ideias de Ruskin, mas para, em certa medida, debatê-las. As recordações de um dia de férias, desfrutado na casa dos tios-avós, rememoradas vinte anos depois, são o ponto de partida das reflexões proustianas. Por meio da memória, o escritor não apenas narra os fatos ocorridos, como também descreve com precisão três situações que mostram o menino que fora um dia a atuar como leitor.

Chamaremos de primeiro ato de leitura aquele que tem como cenário a sala de jantar. Cerca de duas horas antes do meio-dia, o menino Proust regozija-se com a ideia de ter para si como companhia durante a leitura apenas os objetos que compõem a mesa e como barulho somente o acalentador ritmo pendular do relógio. Alegria que dura pouco, os coadjuvantes entram em cena, quer seja a exigir uma resposta curta, como a dada à cozinheira; quer seja para perturbar com burburinhos o silêncio que reinava. Como se não bastasse, os que voltam mais cedo do passeio determinam que o horário da refeição, prevista para o meio-dia, fosse antecipado, obrigando o leitor a fechar o livro.

O segundo ato de leitura ocorre logo depois do almoço. O cenário agora é o quarto, espaço privado por excelência, para onde nossos olhos leitores são conduzidos na esperança ver o menino Marcel finalmente degustar as páginas que leva consigo. Todavia nada nos é revelado sobre o volume que tem nas mãos. Vários parágrafos são dedicados à descrição detalhada do ambiente, tendo como ponto de partida o desejo de fechar uma janela para ter mais privacidade. Além da minuciosa descrição desse quarto da infância, segue-se uma longa reflexão, bem ao estilo proustiano, sobre a importância do quarto, não deste quarto, onde poderíamos vê-lo a ler, mas outro, o imaginado, desprovido de intimidade, onde tudo inspiraria a criação.

Podemos chamar de terceiro ato de leitura aquele que acontece ao cair da tarde. O cenário agora é o parque, onde o pequeno leitor encontra refúgio em uma alameda. Distante de todos, nesse lugar aprazível, onde até a voz daqueles que gritam seu nome parece não conseguir alcançá-lo, a fruição literária poderia finalmente ocorrer. Todavia nossa atenção é levada habilmente para um outro tempo e lugar, de novo impera a imagem do quarto. Espaço não só de leitura, mas também de insônia. Diga-se de passagem, a dificuldade de dormir também é tema recorrente na literatura proustiana. Ali, e não na cena rememorada anteriormente, ao chegar ao fim da leitura de um romance, Proust nos apresenta algumas reflexões sobre a leitura propriamente dita, muito embora ainda não saibamos o título do livro que tanto o absorvera durante aquele longínquo dia de férias.

Portanto, todas as evocações da memória, inclusive as reflexões decorrentes dessas lembranças, que por sua vez também são reminiscências, são utilizadas para contestar a ideia geral de que a leitura teria um papel fundamental na vida das pessoas, teoria postulada por Ruskin. Assim sendo, as cenas de tentativa de leitura descritas durante um dia de férias foram usadas para demonstrar não a importância da leitura na formação do caráter, como defendido pelo crítico inglês, mas o quanto a encenação do ato de ler foi usado como estratégia para afastar o menino leitor que fora das experiências reais, que, portanto, deixaram de ser vividas. A angústia da busca pelo tempo perdido aqui já é latente.

O livro “Proust, Poeta e Psicanalista” analisa clássicos como “Em Busca do Tempo Perdido”

Se para Ruskin a leitura seria uma espécie de conversação com homens mais sábios do que poderíamos encontrar no mundo real, todo jogo de imagens criado por Proust quer justamente nos mostrar que a leitura o afastou do contato real com as pessoas amadas e que o trabalho do leitor começa quando se chega ao fim de uma obra. Nesse sentido, o que difere essencialmente o livro de um amigo, não é o fato de o livro conter muita ou nenhuma sabedoria, mas a maneira como cada leitor recebe e processa o texto lido a partir das próprias experiências de vida.

A grande maestria de Proust ao construir seu ensaio está justamente em nos conduzir como leitores, alimentando nossa curiosidade sobre o que afinal está o garoto a ler. O escritor nos faz espreitar a personagem por ele criado a partir de lembranças reais, em diferentes cenários, e adia, propositalmente, essa revelação. Portanto, não apenas o ato de ler é instaurado como uma espécie de performance nesse ensaio-prefácio, como habilmente o autor nos faz participar dessa espécie de jogo cênico, no qual não somos apenas leitores, mas também coadjuvantes, que durante a encenação tentam descobrir o que a personagem tentava avidamente ler.

A revelação só nos é dada depois das inúmeras encenações da tentativa do ato de leitura. Além disso, a terminar o livro, que na verdade fora um pretexto para afastá-lo das situações socias reais, constata ele ter sido vítima de uma armadilha, pois, com exceção de uma mera frase, que o fizera realmente ter uma espécie de iluminação, todo o resto do livro O capitão fracasso, de Théophile Gautier, não passava de um acúmulo de descrições chatas e irrelevantes.

William Shakespeare

O exigente leitor não esperava apenas uma história, mas sim que o grande sábio romântico lhe revelasse o que deveria pensar sobre outros escritores, como Shakespeare, Sófocles, Silvio Pellico ou Eurípides. Além do mais, queria ele que o autor lhe concedesse uma chave que pudesse ajudá-lo não apenas a compreender o mundo literário, mas também a tomar decisões práticas no mundo real.

Ao término do texto ficamos nós também à espera de uma resposta sobre para que serve realmente a leitura. Resposta que tampouco Proust realmente nos oferece. Mas por certo ao descrever essas situações de encenação do ato de leitura, na tentativa de provar que a leitura não substitui a experiência de vida propriamente dita, mas pode, como uma espécie de estimulante tirar alguns espíritos preguiçosos do estado de letargia, provocou em mim, não apenas profundas reflexões, como suscitou algumas memórias da leitora voraz que fui quando menina. Isso comprova uma das hipóteses defendidas neste ensaio-prefácio pelo escritor francês: a leitura é fundamental justamente porque o trabalho reflexivo realmente começa quando fechamos o livro.

Conheça mais sobre a obra de Marcel Proust

 

*Nasceu em Carangola, Minas Gerais. Viveu alguns anos de sua juventude em Belo Horizonte para estudar Artes Cênicas. Depois, mudou-se para São Paulo, onde trabalhou durante muitos anos como editora. Atualmente, mora em Portugal e é doutoranda no Departamento de Estudos Estudos Portugueses, da Faculdade de Ciências Sociais e Humanas da Universidade Nova de Lisboa. Escreveu os livros Silêncios no escuro (Ateliê), História e Geografia do Nordeste (FTD), A lenda dos diamantes e outras histórias mineiras (Scipione), Festa no céu (Positivo), Asa da Palavra: literatura oral em verso e prosa (Melhoramentos), Um estudo sobre as obras clássicas de viagens e aventuras, Um estudo sobre as fábulas e os contos de fadas (Eureka), entre outros.

Conheça mais sobre a obra de Maria Schtine Viana 

Ainda há muito a ser feito em termos de economia da cultura

“Política Cultural e Economia da Cultura” reúne textos do sociólogo José Carlos Durand, escritos entre 1995 e 2010. Na obra, o autor discute a presença do Estado no domínio cultural, o profissionalismo na gestão, o patrocínio privado no financiamento de projetos, a crítica de arte e o papel estratégico das premiações, a necessidade de estatísticas e a importância da economia da cultura como disciplina que custa a se implantar no país. A seguir, ele fala ao Blog Ateliê sobre o tema da política cultural:

Seu livro traz textos entre 1995 e 2010. Nesses 15 anos, o que mudou na política cultural do Brasil, em sua avaliação?

José Carlos Durand: Cultura foi elevada ao nível de ministério, por Sarney, e logo em seguida dissolvida por Collor, com ódio dos intelectuais e artistas que o detestavam.  Sob o governo FHC, em 1995, aperfeiçoa-se e implanta-se um programa de incentivos fiscais logo alardeado como salvação da lavoura para um um setor tradicionalmente insignificante em orçamento.  A exaltação do neoliberalismo garante o clima de época necessário a abençoar a parceria público-privada implícita nos incentivos. A partir de 2002, com Lula, o setor é atingido por outra inflexão, agora com prioridade às culturas populares e ao revigoramento do ministério: concursos para recrutamento de quadros, transferência de unidades para Brasília, formação de colegiados para ajudar a gerir o MinC, etc. A verba total aumenta bastante, em valor absoluto e relativo.  Em estados e municípios importantes (ou nem tanto) começam a aparecer secretarias de cultura, apartadas da gestão da educação ou do turismo. Política cultural emerge, e se mantém por um tempo, como assunto de imprensa, tema de livros e revistas, cursos e conferências.  Aliás, há um cuidado conceitual no estudo de políticas públicas, não importa o setor. Cabe sempre distinguir, do micro ao macro, entre projetos, programas e, por fim, políticas culturais.  Na verdade, não distinguir apropriadamente os três níveis já postular, como início de conversa, que tal governo “não tem” política cultural é, em si, sinal de superficialidade e da pouca disposição em conhecer o que acontece por dentro da burocracia, no jogo entre política e administração.  Tão simplório quanto querer entender uma obra ignorando as relações entre o artista e o conjunto dos intermediários que ajudam a tornar seu trabalho socialmente visível e valorizado.

Vivenciei essa fase inteira como sociólogo de uma escola de administração pública e de empresas, a EAESP/FGV. Felizmente, esta sempre foi muito liberal em acolher propostas de pesquisa e de cursos em temas novos, desde que avaliadas e aprovadas por órgãos internos.  Assim foi com meus estudos em sociologia cultural, em toda liberdade e atrevimento de autodidata, acerca de artes visuais, arquitetura, moda, entre outros.  A FGV inclusive facilitou-me um pós-doutorado em Paris, onde pude conhecer de perto o trabalho de Pierre Bourdieu e sua equipe. Para quem não sabe, ele foi quem mais se destacou no último meio século, como analista das três lógicas a que a dinâmica cultural obedece, na moderna sociedade capitalista: a cultura de elite, a cultura industrial (ou de massa) e a cultura popular. Acontece que em cada lógica o dinheiro muda de sentido, e com ele, as práticas e a consciência dos agentes: ele é ritualmente negado como fundamento da prática artística na primeira, afirmado sem problema na segunda e ignorado na terceira por razões ancestrais que precedem o mercado e formação das elites.

Pierre Bourdieu

A moral da história é que, diante de tanta contradição, não pode haver política cultural ao mesmo tempo democrática e una, harmonicamente centrada em princípios efetivamente partilhados de valor estético, eficiência e justiça distributiva. Uma retórica ingênua e conciliadora poderia afirmar que o interesse comum e as responsabilidades do estado estão acima disso, e aí se fecha o discurso oficial. Mas o papel aceita tudo, embora a verdade muita vez passe ao largo. A experiência internacional em política de cultura aponta que ela surge para apoiar e consolidar a cultura de elite, construindo teatros, salas de concerto e museus, dotando verbas para mostras e apresentações e ampliação de acervos.  Lembra também que a modernidade, o desenvolvimento industrial e tecnológico e a disseminação do ensino ao longo do séc. XIX vão formando novos públicos, alimentando a reprodução de obras, até chegar às indústrias culturais globalizadas que temos hoje em dia. Acrescento que jamais ocupei qualquer posição formal em administração de cultura; nunca precisei falar ou escrever como ministro, secretário ou assessor disso ou aquilo; nem jamais procurei me esconder atrás de qualquer jargão científico. O resultado é que agora continuo tão à vontade como quando escrevi os artigos.

Quase uma década depois do texto mais recente compilado no livro, que aprendizado aquele período trouxe, em termos de política cultural? 

JCD: Essa questão, por excelência, deveria ser dirigida a pessoas que leram o livro com algum interesse e conheceram o meio cultural paulistano e carioca a ponto de lembrar as questões que nele se discutiam com mais frequência.   Não eram muitas, nem atraentes, em geral eram a respeito de leis de incentivo, como operá-las, como justificar sua razão de ser, como criticar suas restrições. Como autor, sou obrigado a confessar que muitas vezes agi com deliberado “espírito de porco”, como se as coisas que meus textos propunham estivessem de fato ao alcance do entendimento e da vontade do público ao qual implícita ou explicitamente eles se destinavam: gestores de cultura, mercadólogos, economistas, empresários patrocinadores, professores, artistas, etc. Foi minha forma de ser instigante, apontando tópicos que eram e que ainda continuam impensáveis para muita gente.

Por exemplo: incentivos fiscais. As quantias que eles mobilizaram para a cultura eram uma gota d’agua perto do oceano das cifras que, há mais tempo, no Brasil, vinham sendo atraídas para desenvolvimento regional, reflorestamento e outras tantas. O sucesso dos incentivos media-se pela habituação do contribuinte com a atividade incentivada de modo que ele continuasse aplicando nela mesmo depois de suprimida a vantagem fiscal que o governo oferecia. Ao comentar a questão entre gestores de cultura, a repercussão era quase nula, pois os obrigaria a pensar muito além do que estavam acostumados.

Quando se discutia a sequência da tramitação de um projeto aceito na área do mecenato, eram comuns queixas ou insinuações de favoritismos, reais ou presumidos, incompetência de avaliadores em linguagens estéticas em que deviam decidir, etc.

Nesses casos eu comentava: na mesma Esplanada dos Ministérios em que alguns comitês minúsculos e pouco experientes do MinC tentam discutir uma distribuição justa e merecida das pequenas verbas captadas pela Lei Rouanet há um outro setor em que o governo federal brasileiro gasta quantias muitas vezes maiores, financiando cultura com mais segurança e melhores resultados. E aí eu concluía, diante da hesitação e dos olhos em geral arregalados da maioria:  é na CAPES, entidade ligada ao MEC que avalia, aos milhares, projetos científicos encaminhados pelas universidades. Nunca houve, ao que me lembre, ninguém que levasse adiante o interesse em comparar o financiamento às artes e o financiamento à ciência, como se fossem dois mundos irreversivelmente distantes e incomunicáveis, e não simples alternativas de avaliar iniciativas de pessoas e grupos, a ser avaliadas em sua clareza, sua criatividade, sua viabilidade, com muita coisa em comum.

Outro ponto em que sempre insisti foi na necessidade de se dar boa formação a jovens economistas brasileiros que se interessem por economia da cultura. Na vastidão de nosso sistema de pós-graduação, em que anualmente se formam várias centenas de mestres e doutores em economia, não há um único programa ou curso ancorado em economia da cultura.

Por outro lado, na Europa Ocidental, em particular, essa especialização existe com tudo a que tem direito: revistas especializadas, reuniões periódicas, nacionais ou internacionais, cursos com professores economistas com bom currículo em pesquisa, ensino e assessoria, publicação de antologias e dicionários cobrindo grande variedade de tópicos, etc.

O assunto continua merecendo a atenção do Ministério da Cultura, ou de qualquer entidade com vocação e recursos para trazer ao Brasil, em forma de curso para um pequeno público, um pouco da boa economia da cultura lá disponível. Fiz minha parte editando pela Ateliê o livro introdutório de boa qualidade que é A Economia da Cultura, de Françoise Benhamou, em 2007.

 

O que foi abandonado em termos de política cultural que deveria ser retomado, em sua opinião?

JCD: Vou dizer pelo que nunca foi feito:

  1. uma observação correta e sistemática a ser feita pela política cultural pública do fluxo de premiações artísticas no Brasil: exemplo: quantos concursos literários, onde, de que âmbito e com quais modalidades, meios de divulgação e número de concorrentes. O que a imprensa comenta a respeito de seus veredictos, qual o impacto na carreira do escritor. Justificação: prêmios são importantes meios de reconhecimento/atribuição de valor. Embora o órgão que promove cada um tenha autonomia a ser respeitada, o conhecimento dessa rede é fundamental na possibilidade de uma radiografia da cultura erudita (no exemplo, a ficção literária).
  2. As análises econômicas de setores culturais com potencial de fortalecimento via apoio estatal, como foi feito pelo BNDES em relação ao cinema, ao livro, ao disco etc. Foram estudos de qualidade, úteis e que merecem atualização. Idem a construção da Conta-Satélite da cultura, metodologia que permitirá aferir o valor econômico gerado pelo setor e compará-lo ao de outros países. A produção discreta de bons indicadores é pré-condição para o desenvolvimento de uma verdadeira economia da cultura, deixando de lado a ideia de que uma “economia criativa”, vazia de conteúdo, mas impregnada de charme, será instrumento algum dia um terreno útil para ajudar na tomada de decisão.
  3. Outra abordagem econômica que não se sabe se está sendo desenvolvida, é a de localizar cadeias e arranjos produtivos culturais locais, técnica para mapeamento de complementaridades produtivas e comerciais capaz de ajudar, entre outros usos, no desenho de circuitos turísticos mais ricos.

Conheça o livro “Política Cultural e Economia da Cultura”

Conheça o livro “Economia da Cultura”

 

Leia um trecho da “Gramática Integral da Língua Portuguesa”

Esta gramática de Antônio Suárez Abreu se destina a todos aqueles que gostariam de conhecer melhor a maneira como funciona a língua portuguesa e resolver dúvidas sobre concordância, regência, ortografia, colocação etc., por meio de respostas simples, escritas em linguagem clara, despidas de complicações ou erudições. Por isso, esta gramática é útil tanto para alunos do ensino fundamental e médio quanto para quem cursa ou já cursou universidade e quer ter segurança ao escrever um e-mail, um relatório, uma apresentação, uma tese acadêmica, uma petição ou até mesmo um livro de ficção.

 

Amostra Gramática Integral

Carlos Cardoso

O poeta Carlos Cardoso é apontado como destaque entre os escritores da sua geração. Seu último livro, “Na Pureza do Sacrilégio” (2017), recebeu elogios de grandes críticos literários, como Silviano Santiago, que assinou o prefácio e o aproximou a Fernando Pessoa e Octavio Paz, e o acadêmico Antonio Cicero, que escreveu na orelha da obra.
“O poema perambula, mas tudo permanece intacto — eis a lição de poesia”, ressaltou Silviano Santiago ao citar o trecho de um poema de Carlos Cardoso.

Claufe Rodrigues, Carlos Cardoso e Antonio Cicero

“É um grande prazer ler poesia como a de Carlos Cardoso que, fundindo o entendimento e a imaginação, e nos levando a percorrer caminhos originais, inesperados e abertos, enriquece nossa vida. Por isso, brado: viva Na Pureza do Sacrilégio”, escreveu Antonio Cicero.

O poeta chama atenção pela sua forma singular de escrever, conforme ressalta o jornalista especializado em livros Paulo Werneck, da revista 451, ao dizer que os poemas de Carlos Cardoso representam o “surgimento de uma nova paisagem poética no país”.
— Ele tem uma poesia singular, uma poesia que se destaca daquela que está sendo produzida no Brasil hoje.

Manuel da Costa Pinto, Carlos Cardoso e Paulo Werneck

O crítico Manuel da Costa Pinto endossa a aproximação feita por Silviano Santiago, que colocou Carlos Cardoso no mesmo patamar que Fernando Pessoa, e ressalta:

— Você pode encontrar aqui e ali intersecções, pontos de contato, mas a obra de um poeta quando ele já criou uma dicção própria é independente.

O professor livre-docente da Unesp Aguinaldo José Gonçalves aponta a escrita de Carlos Cardoso atinge a “excelência poética”, além de trazer a integração entre a tradição e a modernidade.

O leitor é convidado a mergulhar no universo poético criado pelo escritor, em Na Pureza do Sacrilégio, conduzido pelas linhas de seus versos e as ilustrações gráficas da artista Lena Bergstein. O livro foi publicado com uma edição luxuosa que o torna, por si só, uma obra de arte.
Sucesso entre os críticos do Brasil, seus poemas já foram traduzidos e publicados em revistas de países da América Latina, Europa e nos EUA, além de circular na mídia nacional em veículos como Canal Curta e outros.

Conheça mais sobre Carlos Cardoso

Manual do Estilo Desconfiado é exercício lúdico para quem quer e também quem não quer ser escritor

Se prestarmos atenção à trajetória profissional de Fernando Paixão, as razões pelas quais ele acaba de publicar Manual do Estilo Desconfiado ficam claras. Poeta, professor universitário e ex-diretor editorial da Ática, seu trabalho está profundamente ligado ao texto, de maneira provocadora e criativa. Para isso, questionar o próprio estilo e ter um olhar crítico sobre o texto é  fundamental. É isto o que ele enfoca neste Manual, que não serve apenas a jovens escritores ou a quem deseja tornar-se escritor. A seguir, ele fala ao Blog Ateliê:

 

Fernando Paixão, em foto de Maira Moraes Mesquita

Por que o título “Manual do Estilo Desconfiado”?

Fernando Paixão: Tem a ver com a origem do livro. Surgiu a partir de um curso de escrita, que dei na Universidade de São Paulo, e envolvia atividades práticas. Ali, no diálogo com os alunos e na leitura dos trabalhos, fui percebendo certos tiques que aparecem com frequência na redação dos textos. Por exemplo, o uso da palavra gorda, aquela que tem ansiedade de resumir tudo, abstrata quase sempre, mas que deixa a frase obesa, retórica demais. Também é preciso desconfiar da frase longa, que pode dar volteios e intercalações, mas sem perder o rumo do raciocínio.

E para cada item desse você criou um capítulo?

FP: Isso mesmo. Ao longo dos cursos, fui criando um repertório que acabou resultando nesse livrinho e preferi dar a ele um título que fosse sério e brincalhão ao mesmo tempo. Para dar unidade ao conjunto,  cada “lição” traz seis frases ou parágrafos, que alertam para os perigos da escrita viciada e repetidora de modelos. Algumas dessas frases sugerem também reflexões sobre o ato de escrever, como esta: “existem as vírgulas da gramática e as do afeto”.

É diferente de um manual redação e de estilo, então?

FP: Exatamente. Seria pretensioso querer ensinar a escrever ou coisa assim com um livro tão sucinto. Na verdade, é uma proposta mais lúdica, que visa fazer o leitor pensar, ganhar certa distância crítica com o ato da escrita. Daí o convite para manter o espírito desconfiado. Em síntese, o que este livrinho propõe são algumas dicas para o leitor desconfiar do próprio estilo.

O estilo dele, aliás, apresenta frases bem curtas e diretas.

FP: Como não sou especialista no assunto e sim um curioso, que aprendeu com a experiência prática, preferi um caminho pessoal e adotei a máxima como gênero de inspiração. Sou atraído pelo poder de síntese que ela carrega, ao mesmo tempo em que propõe o desafio de produzir frases marcadas por uma espécie de “curto-circuito cognitivo”. É por isso que elas permanecem em nossa memória com facilidade, porque oferecem uma chave de entendimento mais amplo.

Algumas frases têm sabor poético, inclusive. O que leva a perguntar se a sua atividade de poeta influenciou o “Manual”?

FP: Embora seja uma proposta diferente, mais racional, é possível que as máximas deste livro dialoguem com o meu trabalho em versos. Não sei explicar ao certo… Em ambos os casos, gosto da concisão e da imagem exata. E posso dizer que é tão difícil escrever uma boa assertiva quando criar um verso que valha a pena ao fim da tarde.

Você teve uma longa (e consagrada) carreira no mercado editorial. De que maneira essa experiência contribuiu para o Manual?

Fernando Paixão em foto de Maira Moraes Mesquita

FP: Sempre fui um profissional mais ligado ao texto do que ao visual, tenho clareza disso. Tive a sorte de ser um leitor voraz desde a  juventude. E no trabalho da Editora Ática, onde passei muitos e muitos anos como editor, pude conviver com diversos escritores e projetos. Creio que isso me deu alguma tarimba para perceber o estilo alheio, olhar de fora o fluxo produzido pela escrita. Foi por essa razão que, ao começar minhas atividades de professor na universidade, criei uma disciplina chamada “Escrita e estilo em estudos literários”, da qual resultou este livro.

No texto de contracapa, Luis Fernando Veríssimo enfatiza o ineditismo do seu trabalho. E o recomenda, tanto para aspirantes quanto para praticantes da arte da escrita…

FP: Generosidade dele, que é um dos nossos melhores escritores vivos, na minha opinião. Acho que ele gostou de verdade do espírito desconfiado proposto pelo livro e que faz bem a qualquer pessoa que gosta de escrever. É importante dizer que os tópicos do livro não se restringem aos itens da gramática ou da redação. Também devemos desconfiar da abstração, das citações e do próprio estilo. É bem conhecida aquela frase do Conde de Buffon afirmando que “ o estilo é o próprio homem”, mas eu acrescentei uma condição ao ditado do século XVIII: “ … desde que tenha caráter”. Por isso, digo que essas máximas misturam o lado sério com certa ironia.

E acredita que pode ser uma leitura interessante para quem não deseja se tornar escritor?

FP: Creio que sim, desde que esse leitor também seja interessado pelas artimanhas da escrita. E esse assunto pode interessar a advogados, filósofos, sociólogos… e muitas outras profissões.  Ao final das contas, é por via desse ímpeto desconfiado que se pode chegar ao melhor argumento, seja numa crítica literária ou num tratado semiótico. Estamos tratando de ideias com uma linguagem comum a todos – o desafio começa aí. Mas, sei que não se pode ter uma desconfiança exagerada, inibidora. O importante é o equilíbrio, pois “quem (des)confia demasiado termina no fiado”.

Conheça outras obras do autor

Notícia de Publicação: Manual de Editoração E Estilo

Lênia Márcia Mongelli*

Há livros cuja divulgação é obrigatória, é quase um serviço de “utilidade pública” para o meio acadêmico em geral, de medievalistas – daí o excelente veículo do Jornal da ABREM – ou não.

Estou falando do Manual de Editoração e Estilo, de Plinio Martins Filho, considerado por seus pares o “maior editor brasileiro em atividade” (diz Marisa Midori Deaecto no Prefácio) e merecidamente recém-premiado com o “Jabuti” em sua área de especialização. Afinal, são quase 50 anos de prática, quer como professor de editoração da ECA/USP, quer à frente da Edusp ou da Ateliê, esta de sua propriedade.

Se o Manual é uma defesa apaixonada da beleza do livro enquanto objeto, bem como a apresentação de caminhos/instrumentos para sua melhor e mais refinada realização, ele é, antes de tudo, um modelo possível para padronização de originais – inclusive dissertações e teses universitárias, evitando tantos descompassos entre autores, orientadores, departamentos e casas editoras. Normas relacionadas a ortografia, pontuação, citação de textos em língua estrangeira, notas de rodapé, bibliografia etc. – estão todas ali, ordenadamente tratadas.

 

É obra que, indiscutivelmente, facilita – e muito! – a vida do pesquisador!

 

 Professora Titular de Literatura Portuguesa na Universidade de São Paulo, filiada ao Departamento de Letras Clássicas e Vernáculas da Faculdade de Filosofia, Letras e Ciências Humanas (FFLCH). Formada em Letras Anglo-Germânicas pela Universidade Mackenzie (1969), fez todas as demais etapas de sua carreira acadêmica na USP: Mestrado (1978), Doutorado (1982), Livre-Docência (1988) e Titularidade (1996). Na mesma USP, atua hoje como professora-sênior. Especializada em Literatura Medieval, foi sócia-fundadora da Abrem – Associação Brasileira de Estudos Medievais (1995) e secretária de sua revista impressa Signum, sendo responsável pela edição e distribuição dos dez números dela, até 2008. Orientou cerca de 30 trabalhos, entre mestrados e doutorados; participou de aproximadamente 55 bancas examinadoras de trabalhos acadêmicos; organizou em torno de 80 eventos, atuando inclusive como palestrante; publicou cerca de 85 artigos e 40 capítulos de livros, além de vários “roteiros de leitura”. Livros publicados nos últimos anos, pela Ateliê Editorial: E Fizerom taes Maravilhas… Histórias de Cavaleiros e Cavalarias (org.) [2012], A Idade Média no Cinema (org. com José Rivair Macedo) [2009], Palmeirim de Inglaterra (org.) [2016] e As Pastorinhas de Pirenópolis – GO.

Conheça outras obras de Lênia Márcia Mongelli

4 Ensaios sobre Oscar Niemeyer: uma resenha

Carina Pedro*

O livro Quatro Ensaios sobre Oscar Niemeyer, publicado pela Ateliê Editorial, é uma ótima oportunidade de conhecer mais a fundo o trabalho do arquiteto brasileiro e os detalhes de seus projetos que viraram ícones do modernismo no Brasil e no mundo, assim como daqueles que nunca saíram do papel. A leitura dos ensaios também nos permite transitar pelas críticas que Niemeyer recebeu no decorrer de sua longa carreira, como isso influenciou seu desenho e o de outros profissionais contemporâneos. E, ainda, por meio de suas próprias reflexões, é possível sabermos o que pensava sobre a arquitetura e seu papel social.

O primeiro ensaio, “A Obra de Oscar Niemeyer em São Paulo”, de Paulo Bruna, trata dos projetos do arquiteto na capital paulista e no interior do estado, especialmente, aqueles realizados no início dos anos 50, pela filial do seu escritório em São Paulo, administrado pelo arquiteto Carlos Lemos. Essa fase de produção foi marcada quase que exclusivamente por um único cliente, o Banco Nacional Imobiliário (BNI), cujos acionistas principais eram Orozimbo Rouxo Loureiro e Otávio Frias. Entre os primeiros projetos na capital, o autor destaca o Edifício e Galeria Califórnia, com seu criticado pilar em V na fachada, e o Edifício Montreal, cuja planta de “sala e kitchenette” reflete as mudanças no estilo de vida dos moradores das grandes cidades.

No mesmo período, nasce o projeto do Conjunto Copan, que recebeu diversas alterações e foi concluído apenas nos anos 70. A ideia inicial de ser um misto de hotel e residência não se concretizou, o que não impediu que o edifício se tornasse uma referência de obra urbana, com suas galerias públicas e os seus 1120 apartamentos de diferentes metragens. Na sequência, Paulo Bruna comenta detalhes sobre outra obra de vulto, os edifícios construídos no Parque Ibirapuera, para a exposição do IV Centenário de São Paulo. A simplificação do projeto, por custo e prazo, foi considerada uma “mutilação” na época. Após diferentes propostas e reformas, os edifícios adquiriram diferentes usos e o conjunto foi tombado pelo Iphan.

Edifício Itatiaia em Campinas (1952), fachada posterior. Fonte: Hugo Segawa.

No segundo ensaio, “Entre dois pavilhões: a repercussão internacional de Oscar Niemeyer”, Hugo Segawa nos apresenta a visão dos estrangeiros sobre o trabalho do arquiteto. O projeto do pavilhão do Brasil na Feira Internacional de Nova York, em 1939, foi o início do seu reconhecimento crescente, levando-o a participar do grandioso projeto das Nações Unidas, na mesma cidade, iniciado no período pós-guerra. Os bastidores dessa obra foram marcados por discordâncias entre o representante francês Le Corbusier e o diretor de planejamento norte-americano Wallace Harrison. Do projeto conciliatório, do qual Niemeyer e Le Corbusier participaram, pouco foi aproveitado no projeto final da ONU.

Entre as críticas positivas ao jovem arquiteto, o autor destaca as de Pierre Guegen, que apontam o uso da curva como uma marca de sua originalidade, sendo a igreja da Pampulha um belo exemplo de ousadia. Já as de Nikolaus Pevsner, nos anos 60, colocavam os projetos de Niemeyer, com os de outros arquitetos contemporâneos, entre os exemplos de obras antirracionais. Segundo Segawa, essa crítica pós-moderna, mesmo na intenção de ser negativa, deu sentido à preferência do arquiteto brasileiro pela forma e beleza, já que o tempo comprova que as funções inevitavelmente se modificam, enquanto a forma se preserva.

O terceiro ensaio, “A revisão crítica de Niemeyer”, escrito por Rodrigo Queiroz, apresenta as principais mudanças ocorridas nos projetos realizados pelo arquiteto entre 1940 e 1960, do conjunto da Pampulha à construção de Brasília. O autor destaca as críticas de Luís Saia e Max Bill, no ano de 1954, às soluções formais utilizadas na Pampulha e adotadas de maneira exaustiva em outros projetos. Na sequência, em uma revisão do próprio trabalho, Niemeyer demonstra seu interesse por uma nova estratégia de projeto, em busca de maior clareza e objetividade formal.

No “Depoimento” de 1958, Niemeyer afirma que Brasília e o projeto para o Museu de Caracas marcam o início de uma nova etapa profissional. Sua justificativa para as mudanças foi a viagem à Europa e o encontro com Le Corbusier. Ao reconhecer o desgaste de sua obra, o arquiteto busca um novo repertório formal no ateliê do seu mestre em Paris. Como consequência desse diálogo, Queiroz levanta a hipótese de que os estudos realizados por Le Corbusier para o Capitólio de Chandigarh influenciaram fortemente o projeto de Oscar Niemeyer para Brasília, sendo possível identificar nos palácios da capital federal as semelhanças e diferenças entre os dois projetos.

Ingrid Guerrero

O quarto e último ensaio, “O Espaço Sagrado em Oscar Niemeyer e alguns dos seus desdobramentos na América Latina”, de Ingrid Guerrero, trata primeiramente das poucas obras religiosas projetadas pelo arquiteto. Entre elas, a Igreja de São Francisco de Assis, que, embora rejeitada pelas autoridades religiosas de Minas Gerais, segue o simbolismo da arquitetura católica e a Catedral de Nossa Senhora Aparecida em Brasília, que se aproxima da arquitetura gótica. Na sequência, a autora discute os projetos realizados em países latinos, influenciados pelo desenho de Niemeyer, como o conjunto de igrejas projetado pelo colombiano Juvenal Moya, as releituras do espanhol Félix Candela no México e de Carlos Raúl Villanueva na Venezuela.

 

* Historiadora, designer de interiores e mestre em História Social pela Faculdade de Filosofia, Letras e Ciências Humanas da Universidade de São Paulo. É autora do livro Casas Importadoras de Santos e seus Agentes, publicado pela Ateliê Editorial, em 2015.