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Poesia em vídeo

Literatura a gente encontra dentro dos livros, certo?

Sim, mas não apenas. Hoje em dia, é cada vez mais comum que a literatura ocupe outros espaços. E o vídeo é um deles. Por isso, alguns autores também marcam presença em plataformas como o Youtube. Carlos Cardoso, por exemplo, usa seu canal para mostrar ao público algumas de suas poesias – que serão em breve lançadas no volume “Na Pureza do Sacrilégio”. Confira “Camaleão

 

50 anos do Museu Lasar Segall

O Museu Lasar Segall está comemorando meio século com uma exposição que tem, como destaque, uma tela pintada por Segall aos 26 anos, Praça do Mercado de Meissen (c.1915), óleo (71,5 x 69 cm) doado por Celso Lafer, presidente do conselho do museu.

Lafer e Maria Luiza Tucci Carneiro são autores do livro “Judeus e Judaísmo na Obra de Lasar Segall“, que fala sobre a relação do artista com o tema retratado na tela, que é central na exposição.

Veja mais detalhes:  http://istoe.com.br/museu-lasar-segall-comemora-50-anos-de-arte-e-luta/

Augusto de Campos vence o Grande Prêmio de Poesia Janus Pannonius

O PEN Clube Húngaro, que reúne poetas, novelistas e ensaístas anunciou que Augusto de Campos – autor de Viva Vaia – foi eleito por um júri internacional como o vencedor do Grande Prêmio de Poesia Janus Pannonius de 2017.

Capa da antologia

O prêmio – que existe desde 2012 e é chamado pelo New York Times de “Nobel da Poesia”, já que o Nobel de literatura é mais amplo, e concedido a escritores de prosa também – já foi concedido a poetas aclamados, como Simin Behbahani, Yves Bonnefoy, Charles Bernstein e Adam Zagajewski. A premiação inclui publicações, leituras e um prêmio em dinheiro.

A cerimônia de premiação aconteceu em Pécs, cidade húngara onde Janus Pannonius (1434-1472), um dos mais reverenciados poetas do Renascimento Europeu, foi bispo. Houve também lançamento de livro de Augusto de Campos, em húngaro, publicado especialmente para a ocasião, além de leituras e performances de Augusto de Campos e Cid Campos.

Caravanas comentado

A pesquisadora Adélia Bezerra de Meneses, autora de Desenho Mágico – Poesia e Política em Chico Buarque e Figuras do Feminino na Canção de Chico Buarque, comenta faixas do novo álbum de Chico Buarque, Caravanas:

Adelia Bezerra de Meneses

Dueto fornece o pretexto para uma  parceria de intérprete com  Clara  Buarque, um belo e afinadíssimo  dueto avô/neta. E é essa mesma parceria de gerações  que aparece, desta vez no processo da  composição, com  Chico Brown, que compôs a melodia de Massarandupió e a enviou ao avô. Chico  Buarque fez a letra e a ofereceu ao neto no dia do seu aniversário de 20 anos.  Entre  os jogos verbais   costumeiros  — … pió, piá, psiu  —  Chico Buarque  desvela experiências da meninice do neto, toda a convocação de uma infância de praia e areia e música, de mar e seu xuá. Uma infância que, no desejo,  deveria ser infindável,  que  na ampulheta do “relógio de areia”  seria  interminável:  “Devia o tempo de criança ir se  / arrastando até escoar, pó a pó / Num relógio de areia o areal de / Massarandupió.”  Mas a canção chega ao fim, a infância também teve que acabar: “Ó mãe, pergunte ao pai / quando  ele vai soltar a minha mão / Onde é que o chão acaba / E principia toda a arrebentação”.  Efetivamente o pai já deve ter soltado a mão do piá, que cresceu. E é como músico que o bacuri crescido  reencontra o avô, parceiro forte  pra aguentar “toda arrebentação” da vida.

Em Blues pra Bia o eu lírico propõe-se a  virar  menina pra poder namorar  a Bia, em cujo coração “meninos não têm lugar:   “Compus doce melodia / pra ela se enternecer / Rimei com melancolia / Meu dia a dia sem Bia / mas Bia não quer saber”.

Em  Desaforos,  abordando com humor ,  leveza  e ironia o ódio  das polarizações ideológicas, e que das redes sociais extravasou pra rua,  estabelece-se  um jogo  entre ferir/ proferir/ desaforo: “E que até proferes desaforos pro meu lado”, levando-se em conta a ambiguidade do termo “lado”, que significa não somente “direção”. Porque Chico tem lado, contrário ao de quem o desacata,  a dama  “florescida num viveiro /E em salões que nunca vi(u)”,  e a quem ele confessa  que nunca beberam do mesmo regato.

Na mesma linha , em  Casualmente,   o eu poético, com  sutileza e fina ironia,  responde aos “Vai pra Cuba!” que sempre lhe atiram,  contando  ter ouvido  uma canção … em Havana :  “No volverá nunca más / la canción sentimental /Que casualmente em La Habana / escuché cantar a uma mujer /Como ya no veré / Otra vez nada igual”.

Mas é na canção Caravanas – que não por acaso dá título ao CD inteiro  (assim como a canção  “Construção” , de 1971, foi usada para nomear o disco saído nesse ano) – que Chico ascende ao nível épico.  Caravanas  já nasceu  um clássico, uma obra prima, abordando  com contundência uma questão que é modulação  de antigo problema.  Não apenas no Brasil, mas no mundo inteiro assiste-se a uma maré crescente de xenofobia (de xenos = estrangeiro, e fobia = medo ), agudizada com a questão das migrações, dos deslocamentos humanos,  dos êxodos de motivação  política ou econômica, em todo o globo;  e da exclusão social.  Medo:  medo do Outro diferente, seja ele mulato nordestino, preto pobre ou muçulmano  — alguém que  não tem nada a perder e que pode por em risco o espaço  e os bens dos mais ou menos abonados.  E que, demonizado, facilmente será  confundido com um terrorista, apavorando a gente “ordeira e virtuosa”. Efetivamente,   essa canção  trata  em primeira linha das descidas em grupo dos habitantes de morros  e favelas do  Rio de  Janeiro  para as praias da Zona Sul  —  sendo  interpretadas na  maioria das vezes como “arrastões”, provocando medo insano .  E, carreada pelo título – Caravana vem da palavra árabe  “qairauân” —  virão  as ambiguidades e os sentidos condensados do mar turquesa à la Istambul (trata-se do azul turquesa do mar do Rio de Janeiro, claro, mas não se pode esconder a raiz “turco”    que a palavra embute ),  ou  de  Arará  que é mais do que uma favela carioca  ( sabemos que o monte Ararat  é, na Bíblia,  o maciço localizado na Armênia,  onde parou a Arca de Noé, após o Dilúvio), ou do Jardim de Alá  —  a presença árabe é dominante na canção.

É inevitável estabelecer-se um parentesco com  Subúrbio, de 2006,  em que Chico convoca a periferia do Rio de Janeiro para que tome a palavra, dizendo que lá  “Não tem moças douradas /  expostas” (alusão à “Garota de Ipanema”,  de Vinicius e Jobim),  “Não tem turistas/Não sai foto nas revistas”. E sobretudo,  paroxismo da negatividade, verifica-se  uma coisa que no início é apresentada  no  positivo  (“lá tem”), mas violentamente negada na segunda metade da frase:  “Lá tem Jesus, e está de costas”. É essa uma expressão  de um potencial crítico extraordinário: apesar de  a imagem do Cristo do Corcovado ser vista também do subúrbio, ele  “está de costas” – com toda a simbologia do gesto e da expressão “dar as costas”. Mas  é muito interessante que, em “Subúrbio” , Chico Buarque se proponha a dar voz  a essa periferia – que fala pelo “rap”: “Fala, Penha/ Fala, Irajá/ Fala, Olaria/Fala, Acari, Vigário Geral/Fala Piedade / Fala Paciência… “ etc.

Volto a Caravanas: a alusão ao mundo potencialmente terrorista é inequívoca: “  Não há barreira que contenha esses estranhos /suburbanos tipo muçulmanos”.  A estranheza do Outro que ameaça a minha zona de privacidade (e propriedade privada)  tem que forjar bons motivos de exclusão: “diz que malocam seus facões e adagas  / Em sungas estufadas e calções disformes”. E assim como acontece   na literatura  racista relativamente aos negros, em que se superdimensionam seus atributos sexuais para mostrá-los mais perigosos, aqui também, o diz-que-diz religa sexualidade e violência: “Diz que eles têm picas enormes / e seus sacos são granadas”. Além disso, alude~se aos “negros torsos nus”  que deixam em polvorosa/  a gente ordeira e virtuosa que apela / pra polícia despachar de volta / o populacho pra favela / ou pra Benguela, ou pra Guiné.’ Chegamos aqui, inevitavelmente, ao núcleo  histórico da exclusão social deste país marcado pela mola social da escravatura: com a  alusão a Benguela e a Guiné, chegamos ao ponto inicial,  que  os versos finais da penúltima estrofe só fazem pontuar: “E essa zoeira dentro da prisão  / Crioulos empilhados no porão / De caravelas no alto mar”. Voltamos ao tempo do tráfico de escravos, ao navio negreiro.  No entanto,  é do tempo atual, do tempo de agora , a  invectiva “Tem que bater, tem que matar / engrossa a gritaria”., não?  E aqui, numa fórmula condensada, é oferecida uma genealogia à raiva, uma ligação entre medo-raiva-covardia: “filha do medo, a raiva é mãe da covardia”.   A violência seria total, mas a canção finaliza com uma dúvida . em suspenso: “Ou doido sou que escuto vozes/ Não há gente tão insana / Nem caravana do Arará.”    Será?

 

 

As canções preferidas

Conheça quais foram as canções de Chico Buarque que a pesquisadora Adelia Bezerra de Meneses na enquete da Folha de São Paulo, que elegeu “Construção” a canção mais icônica do compositor. Ela é autora de Desenho Mágico – Poesia e Política em Chico Buarque e Figuras do Feminino na Canção de Chico Buarque,

CALA A BOCA BARBARA

Uma das mais intensas canções eróticas, que no entanto pode ser lida também no registro político. Há aí uma sobreposição das imagens da mulher e da terra (teluricamente considerada, com seus rios e  braços, relva e vazantes);  da mulher e da pátria pela qual se luta (nas trincheiras, nas entranhas). O refrão, à força de repetição,  recompõe o nome amado, o nome interdito: “CALA a boca BÁRbara”  —  CALABAR.

 

TODO SENTIMENTO      

Inapelavelmente lírica,  consagrando entre nós  a expressão “tempo da delicadeza”, essa canção redimensiona a categoria “tempo” (em violenta contraposição a “Roda Viva”, por exemplo). Só a maturidade poderia desvendar essa dimensão, a da reparação:  “preciso descobrir / no último momento / um tempo que refaz o que desfez / que recolhe todo o sentimento / e bota no corpo uma outra vez”.

 

O QUE SERÁ

Alçando os marginais e desvalidos a protagonistas da História  nessa sociedade de tão fundas sobrevivências oligárquicas, essa é uma grande canção  utópica, visionária e épica: um canto libertário e político, em que lateja o Eros do povo.

 

CONSTRUÇÃO 

Construção é realmente um texto emblemático da poesia “social” de Chico Buarque, um testemunho doloroso das relações aviltantes entre o capital e o trabalho. Nessa canção, tanto o protagonista (um elemento do proletariado, operário não qualificado da construção civil ) , quanto o enredo (a morte subsequente à queda dos “andaimes pingentes” , atrapalhando o sábado e o tráfego) e o tema dessa canção (a reificação do ser humano, e seu posterior aniquilamento, devido a condições de trabalho desumanizante) fazem dela uma canção paradigmática da “vertente crítica”. Mas o que é extraordinário é que essa canção que passa com tamanha força um recado social, seja uma das de mais rigoroso travejamento formal, e na qual a crítica à sociedade se faz através da linguagem. Com efeito, se formos analisá-la, além da intercambiabilidade das proparoxítonas, que apontam para o caráter eminentemente “substituível” daquele ser humano,  vemos que se deflagra, depois da queda e  morte do pedreiro,  uma desarticulação da linguagem, que se torna um ícone do corpo despedaçado do pedreiro, e do corpo social fragmentado. ”. O pedreiro sobe para cair: é essa a única ascensão que a vida lhe permite. E o resultado da queda é o despedaçamento. “Este é um tempo de homens partidos”, diz o Drummond de “Nosso Tempo” (referindo-se, por sinal, a uma outra Ditadura, a da época getulista). Construção é de um disco de 1971. Realmente, o mundo dos exílios, prisões, torturas e morte é um mundo dilacerado, desintegrado. Mundo da fragmentação, mundo de “homens partidos”. Em “Construção” pode-se decodificar não apenas o “problema social” do operário não qualificado, que se expõe à morte pela precariedade das condições de trabalho, mas, alargando-se o campo, pode-se ver aí a alegoria do corpo social fragmentado, de uma sociedade desintegrada e mutiladora, que isola os indivíduos.  Como nas grandes obras primas, detecta-se em sua estrutura as linhas de força da sociedade na qual ela foi engendrada.

Guilherme de Almeida, tradutor de Wilhelm Busch

Por Renata de Albuquerque

 

A pesquisadora Simone Homem de Mello, que está lançando Histórias em Imagens e Versos – Wilhelm Busch Traduzido por Guilherme de Almeida, conta, nesta entrevista, como a obra de Wilhelm Busch começou a fazer parte de sua vida e como um jantar deu origem a um projeto audacioso de traduzir e reposicionar a obra do autor alemão considerado um dos precursores das histórias em quadrinho.

Quando tomou contato com a obra de Busch, foi na esfera infanto-juvenil?

Simone Homem de Mello No final do primeiro ano do ensino fundamental, a professora me deu de presente Juca e Chico, de Wilhelm Busch em tradução de Olavo Bilac. Ela escreveu o meu nome na página de rosto com uma caligrafia ornamental, altamente atraente.  Curiosamente, foi um dos únicos livros infantis que guardei ao longo da vida. Essa época coincide com a reedição que a Melhoramentos fez da série “Busch”, então ampliada e denominada “Juca e Chico”.

Quais são suas lembranças dessa época e que impressões essa obra lhe causou?

SHM: Depois de tanto tempo, recordo-me apenas do prazer de folhear o livro. Esse prazer retorna quando folheio a presente edição da Ateliê, editora conhecida pelo cuidado editorial e gráfico de seus livros. Mas também lembro que aquele livro da Melhoramentos – talvez a brevidade daqueles dísticos rimados, em contraponto com a imagem – me transmitia uma vivacidade euforizante. Talvez também tenha sido uma das primeiras experiências de se estar lendo “um livro inteiro”.

Simone Homem de Mello, em foto de Gabriela Pelosi

Quando percebeu que Busch ultrapassava a barreira do rótulo de infanto-juvenil? O que lhe causou essa percepção?

SHM: Foi quando eu estava estudando Letras Anglo-Germânicas na USP e me deparei com esse clássico da literatura alemã. Lembro-me quando atinei que era o mesmo autor daquele livro da infância. E, ao comentar o fato com amigos, descobri dois que também tinham Busch bem vivo como lembrança de infância. Uma surpresa semelhante à de uma geração que assistia à série de TV Sítio do Pica-Pau Amarelo na infância e só depois (re)descobriu que a música de abertura era de Gilberto Gil. De qualquer forma, o livro por meio do qual eu tinha conhecido a obra de Busch – Juca e Chico – era originariamente destinado a crianças. Sendo Busch, até mesmo na Alemanha, primordialmente identificado com a literatura infantil, esse ficou sendo durante muito tempo o lugar dele no meu repertório literário. Só quando descobri as traduções que Guilherme de Almeida havia feito de textos de Busch publicados em semanários humorísticos, notei que os textos veiculados pela Melhoramentos na década de 1940 como livros infantis tinham como alvo, em sua origem, o leitor adulto.

Por favor, fale brevemente sobre seu percurso como germanista.

SHM: Embora eu também tenha estudado Inglês e Português da Faculdade de Letras da USP, era o Alemão a minha primeira opção. Naquela época, grande parte da literatura alemã era traduzida por intermédio de outras línguas, como o inglês ou o francês. Daí a minha curiosidade por uma língua “rara”, com a qual não se tinha contato nem por meio de traduções. Prossegui formalmente os meus estudos como germanista durante o mestrado, na Universidade de Colônia, no qual abordei a relação entre texto e imagem na obra de Jochen Gerz, um artista que se iniciou na Poesia Concreta e depois aderiu à Arte Conceitual. No meu doutorado em Estudos da Tradução, na Universidade Federal de Santa Catarina, estudei e traduzi um autor alemão moderno, Arno Holz, que foi introduzido no repertório literário brasileiro por Augusto e Haroldo de Campos. Nos quase 20 anos que passei na Alemanha, sempre me dediquei muito à língua, à literatura e à cultura alemãs, associando essas investigações às minhas atividades de autora e tradutora.

Em que momento debruçou-se no estudo de Guilherme de Almeida? Seu interesse pela poesia alemã de alguma forma teve influência nisso?

SHM: Apenas quando retornei ao Brasil e passei a coordenar o Centro de Estudos de Tradução Literária na Casa Guilherme de Almeida me debrucei sobre a obra do poeta-tradutor paulista e o descobri como tradutor de Wilhelm Busch. A combinação de rigor e vivacidade em suas traduções, sobretudo da poesia francesa, me impressionou muito.

Wilhelm Busch em foto da década de 1860

Como nasceu a ideia do projeto deste livro? Por que acha importante ressignificar a obra de Busch, para além da esfera infanto-juvenil? O que acha que o grande público leigo pode ganhar com essa “nova visada” do autor alemão?

SHM: A ideia de editar Busch pela Ateliê veio do próprio Plínio Martins. Quando ele me visitou em Berlim, acompanhado de seu filho, na sequência da Feira de Frankfurt de 2008, fomos jantar no restaurante Max und Moritz (no bairro de Kreuzberg), um local que traz o nome dos heróis da história traduzida por Bilac como Juca e Chico. É um restaurante de comida tradicional alemã cujos pratos recebem os nomes de personagens da obra mais famosa de Busch. Na ocasião, o Plínio comentou comigo que pretendia reeditar Juca e Chico. Essa conversa ganhou significado posteriormente, quando “descobri” as traduções de Guilherme de Almeida. Quando propus este outro recorte da obra do Busch, ele concordou imediatamente em editar; afinal, esse autor alemão já fazia parte dos seus planos. O mais importante da presente edição da Ateliê, além de ela resgatar um autor satírico alemão para o público geral, fora da esfera infanto-juvenil, é o fato de ela destacar a arte da tradução como objeto central. A tradução geralmente é vista como um mero instrumento para a compreensão da obra original e até mesmo como um mal necessário, quando não dominamos uma língua da qual gostaríamos de ler. Esse livro mostra o grau de elaboração que a tradução pode atingir como obra de arte, como resultado estético autônomo. Sinceramente, não me recordo de ter visto nenhum livro no mercado editorial brasileiro que abordasse a literatura traduzida com tanta ênfase ao processo de escrita e de tradução.

 

I Prêmio Nacional de Poesia SPA

Em homenagem ao aniversário dos 400 anos da cidade de São Pedro da Aldeia (SPA), na região dos Lagos/RJ, acontecem até dia 18 de agosto as inscrições para o I PRÊMIO NACIONAL DE POESIA SPA.

Podem participar poetas de todo o Brasil. Os detalhes estão no link http://www.crisdakinis.com/2017/05/i-premio-nacional-de-poesia-spa.html

Dez Mitos Sobre os Judeus faz sucesso na Espanha

Lançado em 2015 no Brasil, Dez Mitos Sobre os Judeus ganhou o mundo em edições traduzidas para outras línguas. Agora chegou a vez da Espanha, onde “Diez Mitos Sobre Los Judíos” tem sido aclamado.

Dez Mitos sobre os Judeus

O livro de Maria Luiza Tucci Carneiro, originalmente publicado pela Ateliê Editorial com o apoio do Conip, tem como objetivo desvendar não só a imagem do povo judeu, como também entender como acontece o processo de manipulação da mentira e a compreensão da verdade nos mundos atuais. Nesse sentido, a autora busca as raízes do antissemitismo, questiona sua proliferação, seu discurso e aplicação no mundo contemporâneo. O livro reúne os dez mitos mais populares sobre esse povo e é composto por textos breves que, apesar de numerados, são independentes, sem ordem obrigatória de leitura.

O assunto desperta interesse de leitores de todas as partes, pois os judeus marcam presença ao redor do mundo todo. Veja a seguir alguns destaques da imprensa espanhola.

 

Mas, se quiser ler em português, ele está disponível no site!

“Temos que redimensionar o papel de Lima Barreto na literatura brasileira”, diz pesquisador

Por Renata de Albuquerque

Vida e Morte de M. J. Gonzaga de Sá é um caso raro na literatura brasileira. Apesar de escrito por um dos mais importantes autores nacionais, é um livro pouco lido, pouco conhecido, pouco estudado e pouco editado. No ano em que Lima Barreto é escolhido o autor homenageado da FLIP – Festa Literária de Paraty – a Ateliê Editorial repara este equívoco e lança, em uma edição especial, o romance.

O volume é organizado por Marcos Scheffel, professor da UFRJ, que fala a seguir sobre este livro ainda obscuro de Lima Barreto:

Marcos Scheffel

O que o levou a estudar esta obra, que, ao contrário de outras de Lima Barreto, ainda é praticamente desconhecida do público?

Marcos Scheffel: Em 2005, ingressei no mestrado em Literatura Brasileira na Universidade Federal de Santa Catarina sob orientação da professora Helena Fava Tornquist. No mestrado, meu trabalho estava focado no Recordações do Escrivão Isaías Caminhas e nas anotações da intimidade de Lima Barreto. Foi ali que conheci mais de perto o Vida e Morte, vindo a descobrir que os dois romances (Vida e Morte e Recordações) tinham sido idealizados pelo autor num período semelhante. Quando ingressei no doutorado, em 2007, comecei a perceber as relações do Vida e Morte com as crônicas de Lima Barreto, que ganharam maior visibilidade a partir do livro Toda Crônica de Lima Barreto, organizado por Beatriz Resende e Rachel Valença. Além da qualidade estética, acredito que o fator determinante para escrever sobre o Vida e Morte – que resultou na tese Estações de passagem da ficção de Lima Barreto (UFSC, 2011) – foi justamente a menor incidência de estudos a respeito deste romance, que normalmente era citado de maneira vaga.

 

A demora em publicar o livro leva a crer que Lima Barreto pode ter reescrito vários trechos. Há registros desse processo?  Se sim, o que se pode apreender do que apontam as alterações?

MS: Há uma série de apontamentos sobre o romance que foram colocados por Francisco de Assis Barbosa no Diário Íntimo de Lima Barreto no ano de 1906. No entanto, essa data pode ser imprecisa, pois, como explica o biógrafo, foi baseado no texto “Explicação necessária”, em que o personagem narrador Augusto Machado explica os motivos que levaram a escrita do livro, que esse conjunto de anotações foi posto neste ano. Acredito que estes apontamentos sejam deste período ou de um período próximo. Isso pode ser comprovado por uma crônica publicada na Revista Fon-Fon em abril de 1907 e recentemente descoberta pelo pesquisador Felipe Botelho Corrêa. A crônica é na verdade o que viria a ser o terceiro capítulo do romance, intitulado Emblemas Públicos, com pequenos acréscimos. Além desse aproveitamento, há temas e técnicas comuns a produção do cronista Lima Barreto.

No texto de abertura da edição da Ateliê, algumas razões para que o livro não se tornasse tão conhecido são elencadas. Para quem ainda não teve acesso a esta edição, o que se poderia destacar a respeito? Por que esse texto se manteve quase desconhecido ao longo do século XX, mesmo depois da morte do autor?

MS: Este romance foi publicado pela primeira vez em 1919 pela Revista Brasileira sob a direção de Monteiro Lobato, que nutria grande admiração pelo autor de Triste Fim de Policarpo Quaresma. Apesar de ter recebido uma prêmio da Academia Brasileira de Letras, o romance encalhou. Para Lobato, os motivos desse encalhe teriam sido o título longo pouco atrativo e a percepção

dos leitores que se trataria da biografia de algum desconhecido. A partir dos anos 40, Vida e Morte ganha novas edições como a da Mérito (1943), com um belo prefácio de Paulo Rónai, e da Brasilense (1956) nas obras completas. Essas edições eram acompanhadas de uma série de contos – muito provavelmente por conta do tamanho do romance, que no caso da edição da Brasilense fugiria aos padrões dos demais volumes (tratava-se de padronização do formato, mas que trazia a ideia que o romance em si não bastava). No correr das décadas seguintes, Vida e Morte não mereceu tanta atenção da crítica, dos leitores e do mercado editorial – gerando uma espécie de ciclo de esquecimento. Espero que a partir desta edição possamos ver novos estudos sobre esta importante obra.

Lima Barreto, homenageado na FLIP 2017

Lima Barreto é um escritor que imprime em sua obra uma forte crítica ao seu tempo. Em “Vida e Morte…” temos um narrador mulato. Como isso ecoa na obra?

MS: No ensaio “Os olhos, a barca e o espelho”, Antonio Candido afirmava que Lima Barreto teria uma grande capacidade de criação quando queria apenas registrar (citando um exemplo do Diário Íntimo) e por outro lado quando queria “criar” via sua obra invadida por dados pessoais e por um engajamento demasiado. Uma objeção que faria a essa observação é que o Diário Íntimo é na verdade um livro montado / organizado depois da morte de Lima Barreto com apontamentos que o autor fazia com um nítido propósito ficcional, ou seja, há muito pouco de Diário ali, de registro das pequenas coisas do cotidiano.  Na minha percepção os romances de Lima Barreto sempre trazem essa perspectiva subjetiva que era uma marca da escrita dele, que pode ser percebida inclusive nas suas crônicas que são marcadas por um registro poético do cotidiano e por um desejo de diálogo e de ação na cena pública. A denúncia ao preconceito racial surgiu como uma necessidade de expressão de algo vivenciado por ele de uma maneira dramática.

 

Para o leitor do século XIX, que interesse “Vida e Morte…” pode despertar? Que questões ainda atuais o livro carrega?

MS: São muitas questões atuais, como a crítica à burocracia e ao uso da coisa pública em favor próprio

 

(no caso as críticas que são feitas ao Barão do Rio Branco). Tendo trabalhado muitos anos como amanuense, Lima Barreto pode observar as coisas mais antirrepublicanas que aconteciam na República e nunca deixou de denunciá-las.

 

Lima Barreto é um autor cujas obras têm um cunho político e filosófico/ideológico bastante acentuado. O que há em “Vida e Morte…”, sob este aspecto, que pode ser destacado?

MS: Lima Barreto apresenta no livro uma visão histórica que se opunha à visão Positivista (teleológica) que predominava em nosso meio intelectual. Quando havia um coro favorável a se soterrar nosso passado colonial, ele trazia uma noção relativa do belo e de uma história que não devia ser lida de maneira linear.  Aqueles prédios que eram considerados “feios” no início do século XX e que deveriam ser derrubados para modernização da cidade traziam um registro de outras épocas, de outras formas de ver o mundo. Nesse sentido, um dos trechos mais bonitos do livro é quando Gonzaga de Sá apresenta sua visão da história da cidade, uma visão que pressupõe o entrecruzamento de diferentes tempos que podiam ser percebidos numa caminhada ou num passeio de trem.

 

Quais inovações estéticas o livro traz?

MS: O romance praticamente não tem enredo, como observou Paulo Rónai. O enredo consiste basicamente nos diálogos entre Gonzaga de Sá e Augusto Machado (que relembra essas conversas com o velho funcionário público). Nesse sentido, temos um livro composto em quadros, com tomadas quase cinematográficas, como por exemplo, a cena em que o caixão de um personagem é transportado no trem da central do Brasil num domingo de sol em que as famílias saíam para passear. Tudo é visto da janela do trem e do bonde dando uma impressão cinematográfica. É um romance visual, imagético e marcado por percepções líricas do cotidiano. Isto era bastante inovador se pensarmos que foi um romance escrito em 1919 – três anos antes da Semana de Arte Moderna.

 

Lima Barreto é o homenageado da FLIP deste ano. Qual a importância de editar “Vida e Morte…” neste contexto?

MS: Um evento como a FLIP traz uma grande visibilidade para o autor homenageado. Há um movimento importante do mercado editorial com o lançamento de novas edições e estudos sobre o autor. Para aqueles que não conhecem o autor, é a oportunidade de travar um primeiro contato. Para os que já admiram a obra de Lima Barreto será um momento de atualizar os debates em torno de sua obra. Estou muito ansioso para ver todas as discussões que surgirão a partir da FLIP.

 

O que há, ainda, para ser (re)descoberto sobre a obra de Lima Barreto?

MS: Há muitas pesquisas ligadas a arquivos. Destaco por exemplo o trabalho da professora Carmem Negreiros (UERJ) em torno de uma série de recortes de jornais colecionados por Lima Barreto e com anotações pessoais às margens desses recortes. Também é necessário entender a ligação de Lima Barreto com os jornais e revistas onde publicou suas crônicas no sentido de termos uma clareza maior sobre a orientação dessas publicações (para que público se dirigiam, periodicidade, tiragens, posicionamentos ideológicos etc). Por fim, acho que temos que redimensionar o papel de Lima Barreto na literatura brasileira dando maior relevo ao seu projeto estético e ao fato de ter produzido uma obra significativa apesar de sua morte precoce aos 41 anos de idade.