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Orações Insubordinadas: aforismos para uma leitura rápida e divertida

Segundo o dicionário, aforismos são textos curtos e sucintos, de estilo fragmentário, relacionados a uma reflexão de natureza prática ou moral. Com base nessa definição, o publicitário piauiense Carlos Castelo, fundador do grupo Língua de Trapo, escreveu Orações Insubordinadas – Aforismos de Escárnio e Maldizer. O livro traz as frases curtas e cortantes, de autoria do próprio Castelo, que causam riso e reflexão ao mesmo tempo. A seguir, ele conversa com o Blog da Ateliê:

O que o levou a escrever Orações Insubordinadas – Aforismos de Escárnio e Maldizer?

Carlos Castelo: Desde muito jovem me interessei pelas formas breves. Primeiro foram os provérbios. Gostava de toda a sabedoria que eles traziam em sentenças tão curtas. Depois, com 14 anos, li o Meditações, do Marco Aurélio. E assim fui seguindo, conhecendo outros autores, até que descobri o frasismo de humor: Barão de Itararé, Don Rosse Cavaca, Nelson Rodrigues, Dirceu, Millôr – só para citar os brasileiros. Era natural que, um dia, eu passasse a criar minhas próprias frases e isso aconteceu a partir de 2007. Foi no site Castel-O-Rama, do Humor UOL. Ali comecei a produzir sistematicamente num link chamado Aboboral.A compilação dos anos em que escrevi o Aboboral fez nascer o Orações Insubordinadas.

Como foi feita a seleção dos seus aforismos?

CC: Eu guardava num arquivo todos aforismos que postava no Castel-O-Rama, e no meu Twitter, o @casteladas. O critério usado foi o de cortar as frases sobre fatos passageiros, do dia a dia, e optar pelas frases atemporais. Justamente para não deixar o livro datado. Creio que funcionou, já que o Orações Insubordinadas continua sendo lido, e provoca riso e reflexão, há mais de 10 anos.

Em sua opinião, qual a força do aforismo? Para você, aforismos são atemporais ou podem perder relevância ao longo do tempo?

CC: A força do bom aforismo é a sua alta densidade. Ele contém muita informação, paradoxo, desconstrução ou originalidade em poucas palavras. Então, quando o leitor o decifra é como se detonasse uma explosão de prazer. Isto não é propriamente uma ideia minha, mas uma simplificação grosseira do que dizia Sigmund Freud em Os chistes e sua relação com o inconsciente. Se um aforismo será atemporal, ou perderá a relevância, vai depender da massa de sua densidade.

Seu livro teve a primeira edição lançada em 2009, mas ele continua causando riso. A que você deve essa permanência?

CC: Devo essa continuidade, como disse, ao critério de escolha das frases mais atemporais da minha produção. E também ao fato do aforismo ter se adaptado muito bem ao mundo da internet e suas redes sociais. Por sua brevidade e capacidade de estimular a discussão, ele é um gênero literário perfeito para a Grande Rede. Meu livro, portanto, chegou no momento certo, na hora em que passou-se a valorizar 140 caracteres como se fossem 140 páginas.

Os aforismos têm, em comum, o humor e a graça que causam. É possível identificar como se dá a construção desse efeito de humor que os aforismos causam no leitor?  

CC: Os aforismos de humor, que são os que escrevo, funcionam como o chamado humor “on-liner”. Normalmente possuem uma frase inicial que levanta a bola e, uma segunda, que faz o “saque” – o famoso “punchline”. Mas há muitas outras maneiras de se criar um aforismo. Podem ser lugares comuns refeitos, definições de neologismos, falas, diálogos, comparações, indagações, provocações, paródias de frases famosas e até microcontos. Ou seja, quase tudo pode ser um aforismo de humor, desde que ele faça rir e pensar.

Morte aos Papagaios

A subjetividade é a chave do processo de criação do designer gráfico. Esta é a premissa de Morte aos Papagaios, o primeiro livro de Gustavo Piqueira, um dos mais importantes designers gráficos do país, que trata, de maneira leve e divertida, questões relativas à atividade do profissional de design. À frente de seu estúdio Casa Rex, Gustavo Piqueira é um dos mais reconhecidos e premiados designers gráficos do Brasil, com mais de 500 prêmios recebidos. Conhecido por livros nos quais mistura livremente texto e imagem, ficção e não ficção, design, história e tudo mais que encontrar pela frente, ele já lançou 30 títulos de sua autoria. Pela Ateliê Editorial, além de Morte aos Papagaios, publicou: “Clichês Brasileiros”, a tradução e edição de “A História Verdadeira” de Luciano de Samósata e a edição de “William Morris – Sobre as artes do livro”A seguir, o autor fala ao Blog da Ateliê sobre o livro:

O quanto de ficção e o quanto de “lastro real”existe no livro?

Gustavo Piqueira: Digamos que o livro é todo construído a partir de um “lastro real”, mas sempre com considerável liberdade. Ou seja: não houve preocupação em me ater a nenhuma espécie de rigor — fosse ele acadêmico ou factual. Acho que dá pra considerar Morte aos Papagaios como um livro de “não ficção livre”, se é que existe tal categoria.

A tecnologia e os meios de trabalho disponíveis para um designer mudaram muito desde que o livro foi lançado. De que maneira isso impacta no conteúdo do livro?

Gustavo Piqueira

GP: Na verdade os meios de trabalho para um designer gráfico não mudaram – eles seguem os mesmos da época em que escrevi o livro (a grande mudança se deu na década de 1990, com a chegada dos softwares gráficos que são, essencialmente, os mesmos de hoje, só que com menos recursos). Já a tecnologia como um todo se alterou profundamente — ou melhor, o impacto da tecnologia em nossas vidas se alterou profundamente. De qualquer modo, penso que um livro escrito há 16 anos e que buscava falar do mundo a seu redor termina por, inevitavelmente, carregar trechos que já podem ser considerados como parte do passado. O que não é, vale dizer, um atestado de invalidez — apenas indica que é recomendável a consciência desse ajuste temporal para sua leitura.

O que “alimenta” a criatividade?

GP: Ainda que muita gente tenha lido o livro dessa maneira, Morte aos Papagaios não é um livro sobre criatividade em si, não fala sobre como ser ou não criativo nem nada do gênero. Para dizer a verdade, o termo “criativo” nunca me agradou muito, me parece mais um jargão publicitário do que qualquer outra coisa. Minha ideia com Morte aos Papagaios foi a de falar de design como uma atividade cuja “bibliografia” não está exclusivamente em livros de design, vídeos de design ou qualquer outra obra de referência restrita, mas sim em tudo o que nos rodeia. Em absolutamente tudo, inclusive nas coisas mais cotidianas. Mais do que “dicas para estimular a criatividade” ou algum tipo de “defesa da criatividade”, se há uma tese central no livro é a de que design é uma atividade que acredito se basear num conhecimento amplo, universal. Não uma atividade técnica em que basta um aprofundamento vertical na disciplina em si para se chegar a uma atuação consistente.

O que, na sua opinião, faz com que um projeto seja efetivamente original e relevante?

GP: É uma pergunta que não dá para sintetizar numa resposta, numa só direção. Em linhas gerais creio que ele deve, ao mesmo tempo, refletir o tempo presente e projetar alguma visão futura.

Como você percebe que um trabalho seu está “acima da média” quando o termina?

GP: Bom, eu só posso responder por aqueles que estão “acima da minha média”… E acho que a resposta não tem muito segredo: é fácil perceber quando acabei de executar algo que foi um pouco além daquilo do que eu já havia executado, que dei um passinho à frente na minha trajetória. Agora, o curioso disso é que muitas vezes projetos em que eu senti isso, projetos que me marcaram por terem sido aqueles que ampliei de algum modo minha capacidade, minhas “forças”, não necessariamente foram aqueles que obtiveram maior reconhecimento, como prêmios e etc. Muito pelo contrário, aliás.

Qual a importância dessa autoavaliação, tanto para perceber o que pode melhorar quanto para perceber o que foi positivo no projeto?

GP: É fundamental. Autocrítica, capacidade de autoavaliação é um dos itens fundamentais em quase qualquer atividade.

O que você gostaria de dizer hoje ao leitor de “morte aos papagaios” que não havia sido dito quando o livro foi lançado, há mais de 15 anos?

GP: Acho que muitas coisas. Morte aos Papagaios foi meu primeiro livro — logo, é mais do que natural que hoje eu enxergue nele uma série de problemas, das mais variadas origens. Mas a melhor maneira de dizer outras coisas não é reescrevendo algo, mas escrevendo coisas novas. É o que venho tentando fazer. E, quando de tempos em tempos reencontro Morte aos Papagaios, posso até não me reconhecer em boa parte da obra, mas sinto o prazer de reencontrar um velho amigo.

Conheça outros livros de Gustavo Piqueira

Homenagem a Olga Savary

Por José Armando Pereira da Silva*

A jornalista, escritora, tradutora e ensaísta Olga Savary, que faleceu, vitimada pela covid em maio de 2020, trabalhou com Massao Ohno por mais de uma década.

Massao e Olga Savary (1933 -2020) – uma associação improvável, que durou mais de dez anos. O profissionalismo de uma autora sempre empenhada e organizada se confrontando com o espirito boêmio do editor, que não respeitava prazos, falhava na distribuição dos livros, não prestava contas da vendas e não aceitava suas sugestões. Então, como explicar que confiasse a Massao a edição de sete de suas obras mais significativas e ainda o chamasse para trabalhos em outras editoras? Ela mesma responde: “Ele sabia fazer um livro”.

Suas habilidades de designer (e ousadia, como Altaonda, em grande formato, estampando na capa o retrato da autora) combinadas com a escolha dos ilustradores Calasans Neto, Manabu Mabe e Aldemir Martins, Tomie Ohtake, Guita Charifker, Kazuo Wakabayashi deram aos livros de Olga, com o reconhecimento literário, visibilidade para prêmios em São Paulo e no Rio de Janeiro. Sobre Retratos, concluía a jornalista Elizabeth Vieira: “Um belo livro. Que vale a pena ser lido. E visto” (Jornal da Tarde, 9.12.1989).

Na sua temporada carioca dos anos 1980, Olga foi sua anfitriã no meio literário, e se considera lançadora de seu nome fora do reduto paulistano. Foi quem o apresentou a Marly de Oliveira.

Outra afinidade os aproximou: o gosto pelo haicai. Olga estava entre as primeiras cultoras e divulgadoras do gênero no Brasil. Como praticante, ampliou o arco temático tradicional e liberou-se de estrita grade formal, sem fugir ao espirito das imagens-sínteses. Buscou lições dos mestres Bashō, Buson e Issa, que traduziu em O Livro dos Hai-kais (p. ), abrindo caminho para outros autores do gênero no catalogo de Massao. Quando voltou ao mestre, no preparo para a editora Hucitec de Hai-kais de Bashō, foi a ele que confiou a coordenação gráfica.

Também precursor, Magma mostra outra faceta da obra de Olga Savary. Provavelmente o primeiro livro integralmente de poesia erótica escrito por uma mulher no Brasil. Serve-lhe de capa obra de Tomie Ohtake – truque mais uma vez usado pelo editor: involucro minimalista de suave combinação cromática para um conteúdo ardente. O contrário se dá em Eden Hades, onde as representações da ave do paraíso, da mulher nua e de São Jorge matando o dragão, criadas por Guita Charifker, conduzem diretamente aos arquétipos míticos e sagrados que são dominantes nos poemas.

Olga Savary soma ao oficio poético trabalhos como jornalista, contista, tradutora e organizadora de antologias. Além dos clássicos do haicai, traduziu Borges, Cortazar, Fuentes, Lorca, Neruda e Octavio Paz. Organizou a Antologia Brasileira de Poesia Erótica (1984) e a Antologia da Nova Poesia Brasileira (1992), reunindo 334 poetas de todos os Estados brasileiros, na qual também convocou Massao para a supervisão gráfica. Sua obra tem recebido várias análises, sendo a mais abrangente no âmbito acadêmico a de Marleine Paula Toledo: Olga Savary – Erotismo e Paixão (2009).

Conheça mais sobre Massao Ohno e Olga Savary

*José Armando Pereira da Silva é Mestre em Teatro pela Universidade do Rio de Janeiro e em História da Arte pela USP. Pertence à Associação Brasileira de Críticos de Arte (ABCA) Publicou: Província e VanguardaThomas Perina – Pintura e PoéticaJoão Suzuki – Travessia do SonhoA Cena Brasileira em Santo AndréPaulo Chaves – Andamentos da Cor e Artistas na Metrópole – Galeria Domus, 1947-1951. Organizou: Guido Poianas – Retratos da CidadeVertentes do Cinema ModernoLuís Martins, um Cronista de Arte em São Paulo e José Geraldo Vieira – Crítica de Arte na Revista Habitat.  É autor de Massao Ohno, Editor (Ateliê Editorial).

Coração, Cabeça e Estômago: humor e crítica em um texto clássico

A Ateliê Editorial, neste momento de isolamento social, convidou alguns leitores para compartilharem suas impressões sobre alguns de seus livros prediletos. Com isso, pretendemos fortalecer uma comunidade de pessoas apaixonadas por livros, que sabem que eles podem ser uma excelente companhia em momentos como este. Este texto é de Camila Justo*, que escreve sobre Coração, Cabeça e Estômago, escrito por Camilo Castelo Branco em 1862 . Agradecemos a colaboração de Camila e esperamos que todos apreciem a leitura!

A leitura da novela satírica publicada em 1862, Coração, Cabeça e Estômago poderá nos ajudar a conhecer  Camilo Castelo Branco, o autor, e outros aspectos de sua obra.  Em relação à estrutura: apresenta um preâmbulo, sob forma de diálogo entre os amigos Faustino Xavier Novaes e o editor (provavelmente o próprio Camilo Castelo Branco) em torno de um amigo em comum, morto há seis meses. O editor em questão recebe a incumbência de organizar, revisar e publicar o livro de memórias do falecido Silvestre da Silva; e três partes , a saber: 

A primeira é intitulada CORAÇÃO e é a mais longa. Ela abarca boa parte do livro e vai de 1844 a 1854. Nela, Silvestre da Silva, apresenta-se como um saloio ingênuo, sonhador e cheio de esperança, que deixa sua pequena aldeia em Soutelo e migra para Lisboa, onde”inicia seu noviciado amoroso”. Nesse período, suas atitudes e decisões são norteadas pelos sentimentos e excessos de sua imaginação.

Ele ama (ou melhor, tenta amar, sete mulheres), mas sempre de forma instantânea (apaixona-se à primeira vista) e leviana, fortemente influenciado pelos romances e poesia românticos que ávida e irrefletidamente consome.

Silvestre tenta reproduzir a todo custo o estilo de vida e padrões de comportamento adotados por seus heróis e poetas românticos preferidos,  o que acaba desencadeando uma série de situações ridículas e jocosas e, ao mesmo tempo, dignas de reflexão. 

As mulheres pelas quais Silvestre se apaixona apresentam traços de caráter e personalidade semelhantes entre si, reproduzindo sempre os mesmos padrões de escolha de objeto amoroso: todas elas são frívolas, vaidosas, cínicas e interesseiras, e não hesitam em trocá-lo por homens endinheirados na primeira oportunidade.

Depois de sete decepções amorosas consecutivas, Silvestre ainda conhece outras duas mulheres: Paula, “a mulher que o mundo respeita” (é cínica, hipócrita e calculista, trai o conde com o qual se casa por conveniência), mas como é rica, a alta sociedade lisboeta faz vistas grossas ao caso extraconjugal que mantém com o mestre-escola e mesmo sendo adúltera é adorada em seu meio social; e a última é Marcolina, “a mulher que o mundo despreza”, foi aliciada e vendida pela mãe aos 14 anos de idade a um barão. 

Com a morte deste, Marcolina, casa-se com Augusto, um antigo amor, que após o casamento revela-se um homem violento, perdulário, libertino e jogador e dilapida o dinheiro obtido com venda das joias que a esposa recebera de presente. Desesperada e tendo de sustentar suas irmãs, vê-se obrigada a se prostituir. Marcolina e Silvestre se conhecem no Cais do Sodré, justamente no momento em que ela tencionava dar cabo de sua própria vida, pois havia contraído tuberculose e se sentia abandonada pela família.

Ao ouvir sua triste história, Silvestre se compadece da moça e a leva para sua aldeia natal em Soutelo, em busca de ares mais puros e benfazejos à sua debilitada saúde.

No leito de morte, Marcolina declara seu amor por Silvestre, que, ao mesmo tempo, se dá conta de também a amava, pois segundo ele, Marcolina era a mais verdadeira, pura, sincera e santa que “as mulheres que o mundo respeita”.

A segunda parte denomina-se CABEÇA (sede da inteligência, da razão, do cálculo, da consciência, do planejamento e da premeditação) e estende-se por cinco anos (1855-1860), em que Silvestre da Silva, entediado com a monotonia, a tristeza e fealdade de sua aldeia, muda-se para a cidade do Porto, onde passa a trabalhar como jornalista e se interessa pela política local.  

Faz duras críticas aos romances românticos franceses, questionando os padrões de beleza de suas heroínas, sempre pálidas, magras e frágeis a que as jovens procuravam imitar à custa de forçados jejuns e noites mal dormidas e que mulher portuense do passado tinha aspecto bonito, vistoso, saudável, era bem fornida de carne, tinha as faces coradas e mais disposição de ânimo. Silvestre acaba se envolvendo em uma série de confusões com figuras ilustres da sociedade portuense, denuncia sua hipocrisia, pondo a nu seus aspectos ridículos, degradantes e comezinhos, o que lhe trará sérios problemas financeiros e profissionais, e este será o motivo que o fará regressar definitivamente à aldeia onde nasceu.

Ilustração do livro Coração, Cabeça e Estômago, feita por Gustavo Piqueira

A terceira, e última parte denomina-se ESTÔMAGO (órgão que representa o instinto de sobrevivência, nossas necessidades básicas, instintivas tais como comer, beber, procriar, dormir). Nesse período,  que vai de 1860-1861, o protagonista procura uma vida bucólica, serena e isenta de preocupações.   Silvestre nos conta as razões por que se casou com Tomásia e como isto se deu.

Pode -se dizer que o título da novela é uma espécie de metáfora da trajetória de seu protagonista: no início é um saloio ingênuo, romântico, atrapalhado, cheio de esperanças, mas à medida que se decepciona com as mulheres com quem tenta se relacionar e com a sociedade em que se insere, deixa-se corromper pelo meio, tornando-se amargurado, cético, acomoda-se se ao status quo, tanto é verdade que morre de caquexia, empanzinado de tanto comer.

Por fim,  outro aspecto digno de nota é o modo como Camilo Castelo Branco satiriza o Romantismo, movimento estético e filosófico, a que num primeiro momento parece estar associado. Isto se evidencia pela maneira concisa, desidealizada, sem aqueles floreios retóricos, tão caros aos românticos, como  Silvestre da Silva, o narrador da novela nos descreve a personagem Tomásia.

Segundo ele, Tomásia é uma jovem rústica, “escura de inteligência”, não sabia ler nem escrever e era desprovida de vaidade. Porém, ao ler a novela, tem se a impressão de que ela era uma mulher sincera, de coração puro, inocente, sensata, trabalhadora, temente a Deus, forte tanto física quanto moralmente e o mais admirável, dotada de um senso prático incomum às mulheres do século XIX, sobretudo, se a compararmos àquelas que Silvestre conheceu nas cidades de Lisboa e Porto . 

Desta forma , cabe lembrar que no mesmo ano de publicação desta obra veio a lume a novela passional  Amor de Perdição, considerada tanto pelos críticos e historiadores literários quanto pelo público, a obra-prima de Camilo Castelo Branco, mas  a leitura de Coração, Cabeça e Estômago deixa claro que sua produção literária  é mais vasta e diversificada e não se restringe às histórias fatalistas, de amores impossíveis, infelizes, repleto de lances trágicos ou melodramáticos, como muitos manuais de literatura do Ensino Médio querem nos fazer crer.

*Graduada em Letras Português/Espanhol pela UNIVAP (Universidade do Vale do Paraíba 2003), especializada em Literatura pela UNITAU (Universidade de Taubaté 2008/2009).

Livros sobre música

De Noel Rosa a Schoenberg, passando por Velhas Virgens e Adoniran Barbosa, o catálogo de livros sobre música da Ateliê é tão múltiplo que atende a todos os gostos. São mais de 20 títulos diferentes que abordam não apenas nomes clássicos da música popular brasileira mas também temas ligados à música, como semiótica, análise do discurso e outros.

Para quem acha que a música é fundamental para sobreviver ao cotidiano, a variedade dos títulos da Ateliê Editorial mostra que igualmente importante é aproveitar as múltiplas possibilidades que o assunto oferece para entender as mais diversas nuances que a obra de cada autor ou intérprete nos propõe. Há mais de um livro sobre Paulinho da Viola ou Chico Buarque, para deleite dos fãs que querem ir além dos lindos versos e das deliciosas melodias. Quer saber mais?

Então, confira alguns dos nossos títulos:

Paulinho da Viola e o Elogio do Amor

Eliete Negreiros apresenta uma reflexão sobre a representação do amor na obra do compositor e sua inscrição no âmbito da tradição do pensamento e da lírica ocidental. Através das canções criadas e cantadas por ele, a autora revisita poetas e pensadores como Safo, Platão, Aristóteles, Montaigne, Freud, Walter Benjamin e Octavio Paz.

Melancolias, Mercadorias: Dorival Caymmi, Chico Buarque, o Pregão de Rua e a Canção Popular-Comercial no Brasil

Walter Garcia interpreta A Preta do Acarajé, de Dorival Caymmi, e Carioca, de Chico Buarque, como momentos de passagem de um sistema da canção popular-comercial brasileira. Abrangendo uma série de análises (letra, melodia, canto, harmonia, acompanhamento rítmico, dimensão comercial), o trabalho estuda esse sistema em sua formação, com os sambas das primeiras décadas do século XX, e em sua ruína, na virada para o século XXI.

Noel Rosa – O Humor na Canção

 Na análise das canções de Noel Rosa, Mayra Pinto mostra como o tom coloquial, próprio do samba, se apoia em estrofes construídas com base em paralelismos poéticos, entoativos e rítmico-musicais. A única alteração nessa “fórmula” está na letra, que a cada estrofe descreve com mais detalhes a situação do locutor.

Quase Tudo

Este é o esforço de uma banda em juntar caminhos. Reunir a dispersão que se tornou a música e a comunicação na internet em um novo pacote, uma nova proposta. Misturar rock, ficção, memória e reality show por escrito. A espinha dorsal são as 15 músicas do projeto Quase, lançado em etapas na internet e encartado em CD junto com o livro, que as expandiu em acordes, notas pessoais, imagens, emails furiosos entre os integrantes e dois contos inéditos.

Crítica e Criação – Um Estudo da Kreisleriana Op. 16 de Robert Schumann

Mónica Vermes analisa o intenso diálogo entre a obra de Schumann e o pensamento dos artistas e filósofos que lançaram os fundamentos do romantismo alemão. É nesse sentido que a peça de Schumann funcionou, segundo a autora, como um ponto de convergência entre crítica e criação.

Tropicália: Alegoria Alegria

Lançado em 1979, este estudo de Celso Favaretto tornou-se um clássico sobre o movimento da Tropicália, leitura imprescindível aos interessados pelo tema. O autor reconstitui os nexos entre as composições, os arranjos e as cenas que caracterizam os gestos particulares dos tropicalistas. Explica também as tendências gerais do movimento e mostra como ele desenhou uma nova estética para a música brasileira. Esta reedição, revisada e ampliada, conta com prefácio do músico e linguista Luiz Tatit.

Conheça mais títulos sobre música da Ateliê Editorial

A Carne, de Júlio Ribeiro

A Ateliê Editorial, neste momento de isolamento social, convidou alguns leitores para compartilharem suas impressões sobre alguns de seus livros prediletos. Com isso, pretendemos fortalecer uma comunidade de pessoas apaixonadas por livros, que sabem que eles podem ser uma excelente companhia em momentos como este. Este texto é de Alessandra Portinari Maranca*, que escreve sobre A Carne, de Júlio Ribeiro. Agradecemos a colaboração de Alessandra e esperamos que todos apreciem a leitura!

A Carne, de Júlio Ribeiro, é um romance naturalista que consome e absorve o leitor. Um livro sobre uma mulher cuja vida lhe faz sádica, mais inteligente que os homens, e segura de si. Conforme li, fiquei admirada com o quão progressista e polêmicas para a época as ideias retratadas são. Lenita é uma mulher forte, estudada, com os mais diversos talentos e desejos próprios. Mas ao mesmo tempo é violenta, e expressa suas emoções descontando-as nos outros. Essa contradição é o fio que guia o livro: a emancipação feminina é se tornar um homem ou é ter liberdade para ser mulher como se quiser?

Isto é a maior questão do livro, para mim: como a sociedade lida quando uma mulher é tão violenta, e tão arrogante quanto um homem. Cometendo as mesmas atrocidades aos escravizados que os homens da casa cometiam, sendo arrogante quanto aos seus descobrimentos científicos e idealizando a caça de animais inocentes na floresta, Lenira é um “homem típico” do final do século XIX. E isso causa revolta e repulsa. O progressismo não se encontra somente na personagem principal, mas em pontuações que o narrador faz: “Amor eterno só em poesias piegas. Casamento, sem divórcio legal, regularizado, honroso, para ambas as partes, é caldeira de vapor sem válvulas de segurança, arrebenta.” Essa discussão sobre o que o casamento-prisão dessa época de fato significava para a mulher na prática era fortemente censurada em todos os meios. 

O seu romance com Barbosa não deixa de ter um quê de inovação e críticas implícitas: os dois personagens são parceiros de estudo, e fazem ciências juntos. Não há um jogo de forças marcante entre eles, que se tratam com uma refrescante horizontalidade, e essa igualdade de tratamento era ensurdecedora nesse período (o que, somado às descrições sexuais e à violência, talvez explique porque o livro fora tão polêmico na época). Contudo, ambos são dominados pelos desejos sexuais, que sob a ótica do narrador naturalista caracterizam uma decadência em relação ao patamar racional que atingiam anteriormente.

 A carne, na obra, é uma entidade, um personagem que tem desejos próprios e guia a narrativa, como o cortiço em “O Cortiço”, de uma maneira tipicamente naturalista 一 inclusive uma das poucas coisas “típicas” ali. A obra aborda de uma forma natural o desejo sexual, as “perversões”, e o sexo de forma geral, entre animais e entre seres humanos. Com descrições relativamente explícitas, o narrador constantemente coloca o sexo como um fator presente nos ares e nas consciências dos personagens.

Além disso, a obra não se isenta de críticas à sociedade paulista da época: “Até 1887 vivia-se em pleno feudalismo no interior da província de São Paulo” e seguem-se as descrições satíricas dos jogos de poder. As descrições dos costumes, e hábitos ultrapassados da elite cafeicultora são postos com forte satirização pelo narrador.

Contudo, devo fazer um aviso: o escritor não se isenta da misoginia ao combatê-la, como no trecho: “(Barbosa) conhecia a fundo a natureza, a organização caprichosa, nevrótica, inconstante, ilógica, falha, absurda, da fêmea da espécie humana; conhecia a mulher, conhecia-lhe o útero, conhecia-lhe a carne, conhecia-lhe o cérebro fraco, escravizado pela carne, dominado pelo útero; (…) e fora se deixar prender nos laços de uma paixão por mulher!”. Típico na literatura brasileira, o retrato da mulher como sedutora e manipuladora é comum. Mas aqui, a misoginia adquire um outro tom, que é o do naturalismo, afirmando que o gênero determina as capacidades mentais e comportamentos de uma pessoa. Durante o luto de seu pai, por exemplo, é afirmado que Lenira “entrara na convalescença do cataclismo orgânico”, e “feminizava-se” o que nas palavras do narrador implicaria em “perder a sede de ciência”, prática fortemente associada à homens. 

O desfecho, para mim, é o ápice da obra.  Recheado de ironia, ocorre a completa inversão dos papéis românticos e é colocado em discussão qual sexo seria de fato “irracional e impulsivo”. A Carne, além de um romance divertido, cítrico, e dinâmico, é um prato cheio para discutir a sociedade cafeeira paulistana do século XIX, seus papéis de gênero e o que é violência e amor para essa elite. 

*Alessandra Portinari Maranca tem 18 anos e é aluna do Instituto de Matemática e Estatística da Universidade de São Paulo. Ela também é professora do Cursinho Popular da Faculdade de Filosofia, Letras e Ciências Humanas da USP, e literatura é uma das suas maiores paixões. 

Coleção Clássicos Comentados Ateliê

A Coleção Clássicos Comentados Ateliê é uma das mais importantes coleções da editora. Iniciada em 2005, com a Balada do Velho Marinheiro, de Samuel Taylor Coleridge, o objetivo da coleção é trazer ao público obras fundamentais da literatura universal, ricamente comentadas com notas de rodapé e apresentações que ajudam o leitor do século XXI a compreender a relevância daquela leitura e seu contexto.

As traduções também são muito cuidadosas, feitas por especialistas que levam em conta todo o histórico de cada obra para  poder oferecer ao leitor brasileiro soluções de tradução literária que o instiguem. Grande parte dos livros da coleção foi publicada em coedição com a Editora Unicamp. O resultado são livros que venceram ou foram indicados aos mais importantes prêmios literários brasileiros, como é o caso do Prêmio Jabuti.

Conheça alguns títulos da Coleção Clássicos Comentados:

Geórgicas – Um poema sobre as práticas e as técnicas de agricultura. Este assunto que aparenta não despertar interesse é o pretexto que Virgílio (70 a.C. – 19 a.C.) usa para tratar de temas grandiosos: a força do sentimento amoroso, as dificuldades humanas, o papel do trabalho. Para muitos, esta é a maior obra de Virgílio.

Palmeirim de InglaterraPalmeirim de Inglaterra não é apenas uma novela de cavalaria. O texto, escrito por Francisco de Moraes, faz parte de um ciclo, o que por si só explica a importância da obra. Nesta edição que a Ateliê acaba de lançar, os pesquisadores Lênia Márcia Mongelli, Raúl Cesar Gouveia Fernandes e Fernando Maués realizaram um minucioso e primoroso trabalho, transcrevendo a partir de várias fontes para poder chegar a um resultado fidedigno, que interferisse minimamente no estilo original – um dos pontos altos da obra.

A Trágica História do Doutor Fausto – Este volume reúne A Trágica História do Doutor Fausto, de Christopher Marlowe, e História do Doutor João Fausto, de 1587, de autor anônimo alemão. O primeiro texto foi traduzido por Luís Bueno e Caetano W. Galindo e o segundo por Mario Luiz Frungillo. O livro tem organização, notas e introdução de Luís Bueno e posfácio de Patrícia da Silva Cardoso.

A História das Aventuras de Joseph Andrews e seu Amigo o Senhor Abraham Adams é um livro de reconhecida importância histórica. Publicado em 1742, ele está na raiz de uma das duas grandes tendências do romance inglês no século XVIII. Acima de tudo, este é um romance envolvente e divertidíssimo, e deve proporcionar ao leitor agradáveis momentos na poltrona.

Eugênio Onêguin Vol. 1– O “romance em versos” Eugênio Onêguin é a expressão máxima do gênio de Aleksandr Púchkin (1799-1837), e representa para a literatura da Rússia o mesmo que OsLusíadas, A Divina Comédia, o Dom Quixote e as peças de Shakespeare representam respectivamente para Portugal, a Itália, a Espanha e a Inglaterra.

O que você está lendo?

Durante o isolamento social imposto pela pandemia de coronavírus, muita gente teve o privilégio de poder maratonar séries, ver filmes que estavam há muito numa lista e colocar as leituras em dia. A cultura e a arte são grandes aliados sempre, mas, no momento do distanciamento social, cultura e arte são uma janela para o mundo, uma forma de viajar e de manter a sanidade e a esperança diante de uma realidade tão dura.

Por isso, a Ateliê decidiu fortalecer ainda mais a comunidade de leitores que nos acompanha, com diversas ações nas redes sociais (a melhor forma de interação possível em tempos de isolamento). Uma dessas ações foi perguntar o que as pessoas estavam lendo no momento do isolamento.

As respostas foram muito diversas, o que mostra que as pessoas têm interesses diferentes e que essa troca de informações pode gerar curiosidade e fazer os leitores conhecerem títulos muito diferentes daqueles com que eles já estão familiarizados.

Poesia, textos acadêmicos, prosa, textos clássicos. Teve de tudo. Abaixo, compartilhamos algumas recomendações dos leitores:

Um Lance de Dados – Livro inovador que traz na poesia de Stéphane Mallarmé elementos visuais e gráficos até então quase desconhecidos para o público. Foi uma das inspirações da Poesia Concreta no Brasil.

Sonetos de Camões – Esta edição traz os poemas mais representativos do acervo camoniano, comentados por dois experientes professores de Literatura: Izeti F. Torralvo e Carlos C. Minchillo.

A Trágica História do Doutor Fausto – Reúne A Trágica História do Doutor Fausto, de Christopher Marlowe, e História do Doutor João Fausto, de 1587, de autor anônimo alemão. O primeiro texto foi traduzido por Luís Bueno e Caetano W. Galindo e o segundo por Mario Luiz Frungillo.

Passos da Semiótica Tensiva –  Luiz Tatit  apresenta conceitos estabelecidos pelo linguista Algirdas Julius Greimas, a trajetória de pesquisa de Claude Zilberberg,  e explica o que esta acrescentou àquela. A ênfase aqui é na prosódia e na tentativa de compreender como ela interfere na construção do sentido.

Coração, Cabeça e Estômago – Uma obra hilariante, fora dos padrões usuais de Camilo Castelo Branco. Por ser uma narrativa em primeira pessoa, seu ponto de vista é necessariamente parcial: o leitor acessa a uma das versões dos acontecimentos, segundo a sua ótica peculiar.

E você, o que está lendo?

Outlet Ateliê Editorial

Está no dicionário. Outlet é um centro comercial cujas mercadorias são comercializadas a preços mais baixos, em geral diretamente do produtor ao consumidor. E isso serve para roupas, equipamentos e até livros. Foi pensando neste conceito que a Ateliê criou o Outlet Ateliê.

Bastante comuns nos EUA, onde fazem até parte do roteiro turístico de cidades como Orlando, os outlets também existem no Brasil. Por aqui, marcas de roupa famosas usam suas “pontas de estoque” para atraírem um público interessado em consumir suas grifes, sem entretanto terem poder aquisitivo para isso. Nos outlets de lojas de roupa, nem toda a numeração ou cores estão disponíveis e muitas vezes há mercadorias com pequenos defeitos – e nada disso é um problema para quem consome em outlets.

Mas, o que dizer de um outlet de livros? Primeiro, é bom dizer que outlet de livros não é sebo. Os sebos, esses lugares que os leitores amam e onde acham raridades, vendem livros usados há pouco ou muito tempo. Não é incomum achar, no meio de um livro comprado num sebo, um bilhete do antigo leitor, um marcador de página gasto e ali esquecido por acaso.  

Já no outlet – especificamente no Outlet da Ateliê – entram no estoque apenas livros devolvidos. Não existem os “pequenos defeitos”: não faltam páginas nem outra característica que impeça a leitura da obra. O Outlet Ateliê se diferencia apenas porque este é um espaço onde os leitores podem encontrar livros devolvidos por outros leitores (ou outras livrarias). Por isso, correm o risco de ter pequenas manchas amarelas (por estarem guardados), marcas de manipulação ou pequenas avarias devido ao transporte. Essa é a razão pela qual muitos deles têm preços menores do que livros do catálogo normal.

Por outro lado, ele é a chance de tentar conseguir aquele livro esgotado, muito antes de encontrá-lo em um sebo, diretamente da editora, e em condições muito melhores do que se o livro fosse usado. E é justamente porque o estoque varia que vale a pena visitar essa seção do site com frequência, para saber, sempre, que novidades ela guarda para nós.

Quer conhecer? Acesse: https://www.atelie.com.br/publicacoes/categoria/outlet/

O Avesso da Tela: corte, ponto

Renato Tardivo*

As duas operações mais básicas em um filme são a filmagem e a montagem. A primeira se refere à forma com que são feitos os registros, ou seja, à mise-en-scène – posição de câmera, efeitos de luz, interações entre os atores, cenários etc. Já a montagem diz respeito à escolha e à combinação das imagens. Dessas duas operações resulta o filme, uma narrativa que se vale de som e imagem e se constrói do encadeamento de quadros, planos e sequências. É, portanto, a sucessão de imagens, aliada ao código sonoro, que cria a nova realidade. Não se trata, contudo, de mera soma de registros. O encadeamento de imagem e som implica descontinuidade em sua percepção. Corte.         

Os 14 contos de Somente nos Cinemas, livro escrito por Jorge Ialanji Filholini, são cinematográficos por excelência. E não apenas porque tematizam o cinema em seus enredos, mas sobretudo porque se correspondem com a linguagem fílmica em sua forma. Nessa medida, as histórias tanto trazem o universo do cinema para o centro, por meio da metalinguagem e da intertextualidade, como também estabelecem diálogo com esse universo de forma indireta, sendo as narrativas resultado do imaginário e das fantasias das personagens.

Ainda, chama a atenção a recorrência de dois temas ao longo da coletânea: a ambiência ficcional – São Carlos, cidade do interior paulista – e a presença da morte. Falemos, primeiro, do último. “A morte é a vitória do tempo”, escreve o narrador-protagonista do conto “O Diário de JF”, parafraseando o crítico e teórico do cinema André Bazin (1918-1958). Mas, se as imagens pretendem imortalizar o que foi filmado, a operação, no limite, jamais se consuma. O filme sempre parte da tela preta e retorna a ela. E, durante a travessia, a morte se interpõe: nas transições, nos cortes, no que fica para trás, em tudo aquilo que o quadro não mostra.

Uma vez mais, forma e conteúdo coadunam-se. As frases do livro são curtas. Dissecam, pelo avesso, o universo retratado. Implicam descontinuidade em sua leitura. Há contos primorosos nesse sentido. “Projeto: Favela” é um deles. A narradora, responsável pela construção dos cenários, é chamada para um projeto, encabeçado por um gringo, e deve construir uma favela. “Cenários são atores sem fala”, ela escreve. O final do conto é arrebatador, ao trazer da invisibilidade personagens reais que, ao se apropriarem do cenário, inviabilizam a produção: “Uma criança me pede para ajudá-la a abrir a janela. Foi a primeira vez em que uma janela cenográfica teve uma visita do cotidiano sem roteiro e filmagem”.

“O Diário de JF” também apresenta um projeto que é abortado. Em forma de diário, o narrador-protagonista, um cinéfilo, relata o período em que realiza seu primeiro grande trabalho como assistente de produção. Metalinguagem e intertextualidade aliam-se, de modo que o conto encampa a potência do livro – o cinema na literatura; a literatura como cinema; vida que, motivada ao avesso pela morte, salta na tela: “Foi bonito. Uma pena, em meia hora vou morrer sufocado e todo vomitado ao lado dela”.

Retomando as duas operações básicas de um filme e transpondo-a para a literatura de Filholini, podemos propor que o enredo, os cenários e as personagens são trabalhados na chave da filmagem; já o encadeamento entre as frases, a combinação de elementos, a pontuação, isto é, a forma, que em última instância cria a nova realidade, é trabalhada na chave da montagem.

Nessa operação engenhosa de correspondência entre imagem e palavra, os cenários – universos forjados – são contaminados pela vida e, reversivelmente, São Carlos – cidade real – é transformada em cidade cenográfica: “Sanca é traiçoeira. Quando você está de boa, vem a cidade e na maciota te queima”. Por meio dessa ambiência, as personagens e, por extensão, o leitor têm a oportunidade de se prolongarem ao infinito, como também afirmava André Bazin a respeito da tela do cinema, na exata medida em que são visitados pela morte.

Campo e contracampo, literatura e cinema, avessos. Não é aleatório que o narrador do conto “O Eldorado” escreva: “Nunca mais sairia do Cine Joia. O avesso do cenário. O drama cinematográfico. Nenhum detalhe excluído da tela. A vida deveria morar em um filme”. Ponto. 

*Renato Tardivo é psicanalista e escritor. Professor Colaborador do Departamento de Psicologia Clínica do Instituto de Psicologia da Universidade de São Paulo e doutor em Psicologia Social da Arte (USP). Autor, entre outros, dos livros Cenas em Jogo – Literatura, Cinema, Psicanálise (Ateliê/Fapesp) e do volume de microcontos Girassol Voltado Para a Terra (Ateliê).